La torre de los siete jorobados

3.5*

Clásico indiscutible del cine fantaterrorífico español de todos los tiempos, La torre de los siete jorobados es, además, una de las obras maestras de su director, el más Hollywoodiense de los cineastas españoles, el orondo Edgar Neville. Pero claro, con el texto de base no era difícil hacer una película tan interesante como la que hizo el autor de La vida en un hilo. Escrita por Emilio Carrere (ese “sociólogo de la media tostada”, ese “antropólogo de campo, café, copa y puro”, que supo captar la bohemia madrileña con la precisión de un Sawa o de un Valle Inclán), la novela es una eficaz historia de suspense y misterio sobre una sociedad secreta que vive en las catacumbas madrileñas de finales del siglo XIX. La forma en que el protagonista accede a ese mundo y el desenlace acerca de esa intersección de un mundo de pacotilla con un mundo siniestro descansa en una trama galante y cuasi melodramática, donde la influencia de la Radcliffe no parece muy alejada. Enorme Guillermo Marín, por cierto.

La torre de los siete jorobados

3.5*

Clásico indiscutible del cine fantaterrorífico español de todos los tiempos, La torre de los siete jorobados es, además, una de las obras maestras de su director, el más Hollywoodiense de los cineastas españoles, el orondo Edgar Neville. Pero claro, con el texto de base no era difícil hacer una película tan interesante como la que hizo el autor de La vida en un hilo: escrita por Emilio Carrere (ese “sociólogo de la media tostada”, ese “antropólogo de campo, café, copa y puro”, que supo captar la bohemia madrileña con la precisión de un Sawa o de un Valle Inclán), la novela es una eficaz historia de suspense y misterio acerca de una sociedad secreta que vive en las catacumbas de ese Madrid gato tan querido por la bohemia decimonónica. La forma en que el protagonista accede a ese mundo así como el desenlace de esa intersección entre un mundo de pacotilla, que huele a bocadillo de calamares, y un mundo siniestro y furtivo descansa en una trama galante y cuasi melodramática, donde la influencia de la Radcliffe no parece muy lejana. En conclusión: una de las películas más sorprendentes de toda la filmografía española, repleta de aciertos y maravillosas sorpresas.

Luz que agoniza (Aka Gaslight)

4*

A finales del siglo XIX, en la Inglaterra victoriana, la hermosa Paula Alquist (Ingrid Bergman) contrae matrimonio con Gregory Anton (Charles Boyer), un conocido y respetado pianista. Entran a vivir a una casa aristocrática en la que comienzan a ocurrir sucesos extraños, lo que hace peligrar la salud mental de la principal inquilina. Magnífico thriller psicológico, repleto de suspense y con una atmósfera represiva muy bien conseguida, obra del director George Cukor que pone en imágenes una historia retorcida con la única ayuda de los decorados, la luz y una puesta en escena aguerrida y llena de aciertos escénicos. Además, cuenta con varias geniales interpretaciones, especialmente las de Charles Boyer, Ingrid Bergman, Joseph Cotten y Angela Landsbury. Por otro lado, el argumento recuerda, siquiera levemente, al de Nido de víboras, de Anatole Litvak, estrenada en 1948. E incluso a obras tan personales y satisfactorias como Secreto tras la puerta o Rebeca. Pero, en realidad, es un remake de una obra inglesa de 1940, dirigida por el desconocido Thorold Dickinson. 

El sospechoso

3.5*

Robert Siodmak dirige uno de sus más sorprendentes films de suspense, justo antes de su serie de obras maestras (La escalera de caracol, Forajidos, El abrazo de la muerte). Philip Marshall (Charles Laughton) es un marido infeliz que convive con una esposa histérica que está acabando con la felicidad familiar. Cuando conoce a Mary Grey (Ella Raines), una chica joven y soltera, se enamora de ella pero se conforma con su amistad. Sin embargo, su mujer se entera y, de forma injusta y vengativa, intentará hacerle la vida imposible por lo que Marshall tendrá que pensar cómo solucionar la situación. Una situación que recuerda a la desconocida Huracán, de John M. Sthal. Siodmak adapta para la pantalla una novela del escritor inglés James Roland, titulada This Way Out, de 1940, en un estilo que recuerda al de Luz que agoniza de George Cukor (que también se desarrolla en el Londres de comienzos del siglo XX), es decir, a esa conseguida mezcla de elementos expresionistas del cine alemán, convenciones del cine noir y elementos narrativos clásicos del cine USAmericano. La historia está muy bien narrada, es sorpredentemente actual y creíble y el final es de una honestidad aplastante. Además, el film cuenta con la elegante, aristocrática y sutil intepretación del siempre convincente Charles Laughton, que recuerda a la que regaló un año antes a Jean Renoir en su primera película en Hollywood. 

Sherlock holmes y la mujer araña

3*

Tras las dos películas inaugurales de la 20th Century Fox, la Universal produjo (en la década de los años cuarenta del pasado siglo) 12 películas sobre la mítica creación de Arthur Conan Doyle: Sherlock Holmes, el consulting detective londinense, y su ayudante, el doctor Watson (con la excelente pareja de actores, Basil Rathbone y Nigel Bruce, en los papeles protagonistas). Los encargados de dirigir fueron Sidney Lanfield, John Rawlins, Alfred L. Werker (que dirigieron una película cada uno) y, mayormente, Roy William Neill (que dirigió el resto de la serie). En esta entrega, la 7 (contando las dos de la Fox), Sherlock Holmes debe enfrentarse a la letal versión femenina de su archienemigo el profesor Moriarty, Adrea Spedding, en un refrito conseguidamente ingenioso y entretenido de varias historias del autor escocés, como era habitual en el ciclo. Aparte de esta licencia, se transformaron los personajes originales de Watson y Lestrade, restándoles sus capacidades y competencias para resaltar la efectividad del detective de Baker Street. Por último, se ruega mucha atención al irónico y tenso final.

Laura

4*

Laura es una mujer fascinante. Es hermosa, sensible e inteligente hasta la embriaguez. Tiene gustos exquisitos, viste estilizadamente y su conversación sacia el paladar más exigente. Laura es, en definitiva, Gene Tierney. Y alguien la ha asesinado. Con esta premisa tan sugestiva como espeluznante, Otto Preminger traza un sofisticado thriller, con la figura del detective (Dana Andrews), en busca del asesino, como catalizador de toda la trama. Alrededor de él, el prometido de la víctima (interpretado por Vincent Price), una amiga (Judith Anderson) y, sobre todo, el influyente tutor y protector de Laura, Waldo Lydecker (Clifton Webb) -en un papel que recuerda al de George Sanders en Eva al desnudo y al de Laurence Olivier en La Huella-. Y como todos ellos son sospechosos, el misterio está servido, por tanto. Preminger instituye una clase de film noir, con protagonistas de clase alta y del mundo del arte, respetuoso con las convenciones del género pero de un retorcimiento moral considerable, que influirá poderosamente en autores como Alfred Hitchcock y su Vértigo o en David Lynch, que le rendirá homenaje en Twin Peaks con su archifamoso leit motiv “¿quién mató a Laura Palmer?”. Rodada enteramente en los estudios de la 20th Century Fox, destaca por su impoluto guión, repleto de suspense y agudeza (no por casualidad, el productor era Joseph Leo Mankiewicz), por unas maravillosas interpretaciones, por su elegante puesta en escena, por su competente iluminación, por la BSO y por sus dos últimos minutos: de un dinamismo y de una perfección técnica admirables.