Mis 5 imprescindibles de Richard Harris:

-       El desierto rojo (1964).

-       Un hombre llamado caballo (1970).

-       Orca, la ballena asesina (1977).

-       El prado (1990).

-       Harry Potter y la piedra filosofal (2001).

La centinela (Aka The Sentinel)

3*

Una modelo que aún no está preparada para el matrimonio, decide irse a vivir sola a un apartamento en un edificio de Brooklyn, justo enfrente del skyline neoyorkino. Pronto comienza a conocer a sus extraños vecinos. Mucho más extraños, ciertamente, que los de La semilla del diablo o que los de El quimérico inquilino. La película cuenta con algunas escenas realmente impactantes y una historia repleta de motivos seminales (esa puerta correriza parecida a la de Rojo profundo; ese cadáver lángido y redivido que recuerda al de Rec; esos seres deformes tipo Basket Case; ese edificio que podría ser una puerta a El más allá). En conjunto, aparece como una estupenda revisión del tema satánico, dirigida por el especialista en thriller urbanos, Michel Winner, pero con un componente típico de los giallo italianos: el trauma infantil. Por cierto, el plantel de actores es increíble y las interpretaciones muy solventes (Chris Sarandon, Christina Raines, Burgess Meredith, John Carradine, Ava Gardner, Arthur Kennedy, Martin Balsam, Beverly D’Angelo, Eli Wallach, Silvia Miles, José Ferrer, Jerry Orbach, Christopher Walken, Jeff Goldblum, Tom Berenger, etc.). La música, por momentos altisonante, acompaña correctamente al suspense y el maquillaje y los efectos resultan bastante estimables.

Mis 5 imprescindibles de Eloy de la Iglesia:

-       La semana del asesino (1972).

-       Los placeres ocultos (1977).

-       Colegas (1982).

-       El pico (1983)

-       Otra vuelta de tuerca (1985).

Drácula (Aka Count Dracula)

3.5*

Drácula es un icono del terror contemporáneo. Junto con Frankenstein y el Zombie, por supuesto. Mientras que el Conde es el símbolo de la tradición, de lo terrorífico que puede traernos el pasado, Víctor representa el peligro de la ciencia, del progreso y del futuro. El Zombie, por su parte, encarna el presente, lo más putrefacto y descompuesto del presente. Pues bien, innumerables han sido las adaptaciones cinematográficas de la novela epistolar de Bram Stoker, desde la de Tod Browning hasta la de Francis F. Coppola, pasando por las de Fisher, Francis o Franco (como ha demostrado la investigación de David J. Skal). Pero pocas son tan valoradas como esta desconocida versión televisiva dirigida por Philip Saville e interpretada por Louis Jordan, nada menos. Se trata de una fidedigna adaptación, con una lograda ambientación de época, unos pasables efectos especiales y una historia, dosificadamente desarrollada, que sigue admirablemente los hechos más importantes del texto original. Durante dos horas y media, el espectador, agradecido, contemplará con admiración cuánto han copiado de esta película distintas adaptaciones posteriores a la vez que se sorprenderá de los escasos aplausos y reconocimientos que ha recibido esta maravilla. Como precio pagado a su época, la narración cuenta con ciertos elementos psicodélicos y algunos recursos fílmicos típicos del momento. Como precio pagado a la eternidad, la belleza de la actriz que interpreta a Mina. Solo por poner un ejemplo. En definitiva: una joya que merece ser rescatada de entre todas las adaptaciones y/o recreaciones de la novela o del mito de Drácula.

Mis 5 imprescindibles de Sam Peckinpah:

-       Duelo en la alta Sierra (1962).

-       Grupo salvaje (1969).

-       La balada de Cable Hoge (1970).

-       Quiero la cabeza de Alfredo García (1974).

-       La cruz de hierro (1977).

Mis 5 imprescindibles de Melanie Griffith:

-       Juventud rebelde (1977).

-       Armas de mujer (1985).

-       Algo salvaje (1986).

-       Resplandor en la oscuridad (1992).

-       Locos en Alabama (1999).

Dead of night

3*

Otra de las trilogías de terror rodadas por Dan Curtis para la televisión y, en este caso, con la ayuda inestimable del gran Richard Matheson, que escribe el guión de las tres historias aunque la primera de ellas sobre una novela de Jack Finney. Curtis demuestra que es un maestro en la planificación y en el montaje y rueda con la elegancia de un artesano cuyo ego está supeditado a las necesidades de cada historia. La primera parte trata sobre un coche de 1926 que permite viajar al pasado (en un retruécano maravilloso que parece adelantarse a Regreso al futuro). La segunda, la más floja de las tres, trata sobre un vampiro. Y, por último, el tercer capítulo del film gira en torno al obsesivo deseo de una madre por recuperar a su hijo muerto, lo que le llevará a realizar un rito satánico y, con él, a desencadenar un regreso realmente infernal. No falta quien afirma que de esta última historia, titulada “Bobby”, el gran John Carpenter podría haberse inspirado para su maravillosa La noche de Halloween. En definitiva, una curiosa oportunidad de ver en acción una forma efectiva y digna de hacer cine para la caja tonta.

Mis 5 imprescindibles de Sofía Loren:

-       Orquídea negra (1958).

-       Matrimonio a la italiana (1964).

-       La condesa de Hong Kong (1967).

-       Una jornada particular (1977).

-       Dos mujeres (1989).

Operación Ganímedes (Aka Operation Ganymed)

3*

La misión Ganímedes vuelve a la tierra tras recorrer millones y millones de kilómetros por la galaxia y tras varios años por el universo. Pero una serie de situaciones hace que su aterrizaje no sea tan apacible y heroico como se esperaba. De hecho, la nave aterriza en el mar, cerca de la costa, rodeados de un desierto implacable y sin nadie a la vista. Sin ningún recibimiento ni aplauso. Los astronautas, asombrados, intentan sobrevivir en un paraje inhóspito mientras se preguntan qué ha pasado en la tierra. Estamos ante una curiosa producción alemana de ciencia ficción, con varios tiempos muertos y un ritmo que exige del espectador lo que el cine de género USAmericano da mascadito pero que, a la postre, resulta una muy interesante reflexión cinematográfica sobre las capacidades del hombre para auto destruirse. El director, Rainer Erler, exprimiendo sabiamente los pocos medios de producción disponibles y alternando entre una línea cronológico-temporal y varios flashbacks semánticos, se sirve de un desconocido grupo de actores teutones (uno de ellos con rasgos de Freddy Mercury y Stacy Kech), entre los que destaca un jovencísimo Jürgen Prochnow, para subrayar nuestro desamparo vital así como el sinsentido de varias de nuestras empresas y proyectos. La música, que alterna entre la fanfarria, irónicamente descontextualizada, y la música interplanetaria de La linterna mágica, subraya muy bien el carácter insólito del producto, una auténtica rara avis en la cinematografía europea de la época. Aunque hay que recordar que el cine del este (ruso, checoslovaco, polaco, etc.) transitaban con cierta asiduidad parámetros parecidos a esta estupenda y sorprendente gema de la Sci-Fi survival europea.

Tres mujeres (Aka Three Women)

3*

 

Tras rodar Un frío día en el parque y la extraordinaria Imágenes, Robert Altman encamina su trilogía de la mujer hacía otra de sus cotas y hacia una de sus más personales realizaciones. En esta ocasión, se sirve de un guión propio para dar forma a un argumento que roza el surrealismo pero que parece inspirado en el riquísimo mundo contracultural de Norman O. Brown o en las mitologías estudiadas por Joseph Campbell. De hecho, en Las extensiones interiores del espacio exterior, Campbell afirma que “si se examinan sin prejuicio las tradiciones religiosas de la humanidad, no tardan en encontrarse ciertos motivos míticos comunes a todas ellas”, como, por ejemplo, la vida después de la muerte, o la existencia de espíritus protectores o malévolos. Sobre estas cuestiones gira el argumento de la obra. Una joven de Texas (Sissy Spacek) entra a trabajar en un balneario de un pequeño pueblo al sur de California. Su instructora, Shelley Duvall, parece encarnar la mujer independiente y exitosa pero su vida amarillenta esconde la soledad y varias relaciones fracasadas y vacías. En el camino se cruza una extraña mujer embarazada que pinta figuras mitológicas y que es la pareja de uno de los amantes clandestinos de Duvall. Poco a poco, el argumento se va desarrollando, por las vías de la narrativa convencional aunque con un trasfondo simbólico y psicoanalítico que Altman prefiere no desvelar del todo al espectador. Esto constituye un acierto puesto que transforma el film en una misteriosa delicia visual, muy bien fotografiada y con ciertas resonancias místicas, destacadas en el epílogo final. Fascinante.

Encuentros en la tercera fase (Aka Close Encounters of the Third Kind)

3*

Uno de los hitos históricos en el cine de ciencia ficción familiar (esos encuentros de “tercera clase”), creado y orquestado por la mano fílmica firme de Steven Spielberg (junto con E.T. El extraterrestre, Parque Jurásico, Inteligencia artificial y La guerra de los mundos). De hecho, estamos ante uno de los blockbusters que salpican la filmografía de su director, con una de las tramas más escuetas de la historia del cine y, por lo tanto, con un guión estirado hasta la saciedad a partir de decenas de pequeñas secuencias y planos, dadas de sí hasta el paroxismo, para crear un suspense y una atmosfera: la del misterio que esconde el avistamiento de varios fenómenos Ovnis. Eran otros tiempos, eran otros ritmos. Spielberg se tira a la piscina al introducir en la trama un par de familias disfuncionales, el poder comunicativo de la música y al elegir como científico protagonista a François Truffaut, que muestra ser tan mal actor como mítico director. Y acierta también al representar un contact (Sagan dixit) con otras tecnologías en son de paz. El film dura muchísimo y tiene varias imágenes extraordinarias (de más está reconocer el talento del director para crear una iconografía mítica) pero, también, tiene varios planos acartonados, que le restan credibilidad final al producto. El final, por cierto, también es un tanto decepcionante. Un producto que, como curiosidad, daría pié a otras creaciones neocapitalistas, como el suprafamoso e infrautilizado juego musical, Simon.

Made in USA (Aka The Kentucky Fried Movie)

3*

Made in USA (Aka The Kentucky Fried Movie) es una sucesión de sketchs de humor que vertebran un visión ácida y satírica de buena parte de los EE.UU. de finales de la irredenta década de los setenta: un país que ya le daba la espalda, definitivamente, a la liberación de los sesenta para encauzarse por el camino del convencionalismo neoliberal de la ultra conservadora década de los ochenta. John Landis pone en imágenes el guión de los hermanos Zuker y de Jim Abrahams (los creadores de Aterriza como puedas y Top Secret, entre otros) y presenta un conjunto de parodias, más o menos escatológicas, más o menos ingeniosas, sobre diferentes tópicos del American Way of Life, desde los noticiarios hasta las películas de karatekas, desde los anuncios de TV hasta los juicios televisados, pasando por todo tipo de sátiras y homenajes al cine y a su historia (incluso hay una escena en un estrambótico y personalizado Feel-a-Rama). Entre el equipo artístico, encontramos cameos de George Lazenby, Donald Sutherland, Rick Baker o Forrest J. Ackerman. Por momentos chispeante, por momentos erótica, por momentos sin gusto, por momentos muy divertida, el film conforma un buen díptico sobre algunos de los principales valores de la nación, con un humor basado en el gag y en el juego de palabras, y que, en la forma y en el fondo, se muestra coherente con el espíritu combativo del director y de los guionistas. Se aconseja visionar junto con American Raspberry y Tunnel Vision. Y, ¿por qué no?, también con Movie, Movie, de Stanley Donen, una obra en el que se parodian distintos subgéneros Hollywoodienses (los musicales de Broadway, las películas de boxeo y las cintas bélicas de la 2ª G.M.).

Los días del pasado

3.5*

En 1985, Julio Llamazares publicó una de las mejores novelas sobre la lucha antifranquista en la inmediata postguerra rural española, en concreto sobre los maquis: Luna de lobos. Su adaptación cinematográfica, obra de un desconocido Julio Sánchez Valdés, no fue desafortunada pero tampoco para echar cohetes. Adolecía de frialdad y de un cierto y paradójico distanciamiento. Casi lo contrario de lo que ofrece esta producción: una historia emocionante y cercana sobre una triste realidad, el final de una ilusión, la que suponía ganar una guerra que ya estaba perdida. De hecho, hay una conmovedora escena en la que el capitán de un grupo de resistentes expone los motivos de su presencia en las montañas, con una honradez y una dignidad que no habían aparecido en el cine español hasta la fecha, como explica José Antonio Vidal Castaño en su La memoria reprimida: historias orales del maquis. Mario Camus acierta al elaborar su representación del hambre, del racionamiento, del frío y del aislamiento rural, por un lado, así como del control de la falange y de las fuerzas vivas pero también de la clandestina y, a menudo, silenciosa oposición de algunos de los vencidos en la Guerra Incivil, por el otro. La icónica, y ex Marisol, Pepa Flores pone su hermoso rostro y su sobrio talento a una profesora que acepta una plaza en las montañas Astures con la secreta misión de reencontrarse con su marido (Antonio Gades), oculto en los bosques cercanos (del valle de Cabuérniga) tras su paso por la 2ª Guerra Mundial. En la BSO, temas instrumentales de Ay, Carmela, una de esas canciones combativas que acompañaron a los camaradas republicanos durante toda la contienda, y que ha dado nombre a otra de las mejores obras sobre el periodo histórico en cuestión, el film de Carlos Saura.