Blade Runner 2049

3*

Una de las características principales de la industria hollywoodiense de comienzos del siglo XXI es su recurrencia al remake. La falta de ideas, el conservadurismo narrativo o la cobardía financiera han explosionado en una cultura cinematográfica plagada de revisitaciones de clásicos o de cintas de culto de varias décadas, normalmente con más pena que gloria. En este caso, Denis Villeneuve y los guionistas originales del mítico film de Ridley Scott sobre la obra de Philip K. Dick han decidido situarse a medio camino entre el remake y la secuela pues, si bien es verdad que estamos ante una película que “continúa” la historia original, lo hace recreando tanto el mundo futuro de la original como sus principales elementos técnico-artísticos (con cientos de homenajes y guiños a la obra original, por cierto, aunque con unas curiosas y sorprendentes novedades, algunas de las cuales están bien pegaditas a la obra de Satoshi Kon, por cierto). Por eso, Blade Runner 2049 es un film replicante y replicado del ADN inicial y, por tanto, un film con fecha de caducidad. El actor con la cara de pena más rentable del cine actual, pone el físico a un nuevo caza robots que debe desenmascarar toda una conspiración milenarista revolucionaria, en plan Matrix. Si el clásico de ciencia ficción de Scott no se caracterizaba por su especial complejidad sino por su parsimonia y atmosférica ambigüedad, Villeneuve ha decidido abrir la puerta a una franquicia en la que se pueden esperar tantas sorpresas y tantos vacíos como en la saga Alien, otra franquicia descontrolada (aunque entretenida). El ritmo del visionado, eso sí, puede ayudar a buena parte de los espectadores a relajarse del ajetreado y típico timing urbanita del 2017.

Alien Factor 2

2*

Con todos ustedes, el gran Don Dohler, según la biografía de su página web: "for the better part of 30 years, independent filmmaker Don Dohler, while failing to register on the mainstream movie-biz Richter scale, cranked out an entertaining skein of low-budget, no-stars horror and science-fiction motion pictures that earned him a worshipful cadre of international devotees: 90-minute features chockablock with decapitations, eviscerations, impalings, murderous nuclear families devoted to cannibalism or organ harvesting, thong-clad vampirettes, cleaver-wielding housewives, switchblade-flicking psychos, trigger-happy yahoos, marauding aliens, reanimated corpses, fog machines in overdrive, enough fake blood to fill several Olympic-sized swimming pools, and more running through woods than a battalion of Green Berets on maneuvers. From 1977’s The Alien Factor to 2006’s Dead Hunt, Dohler made a total of 11 films: all of them conceived–and several of them executed—at his home on a cul-de-sac in suburban Baltimore". No se pierdan su cine psicotrónico y bizarro, no se van a arrepentir.

Here Alone

2.5*

Imaginémonos un personaje de The Walking Dead, fuerte y adiestrada, que se queda sola con su marido y con su hija en mitad de la montaña… Imaginemos que se desarrolla una especie de capítulo extendido de la serie, con su lucha por la supervivencia, en un mundo asolado por infectados hiperviolentos... Imaginémonos que se hace una película sobre este tema con dos líneas narrativas: la del presente y la del pasado reciente, que explica varias cosas extras... Imaginemos que todo ello se cuenta con parsimonia pero con destellazos de violencia y brutalidad... Imaginémonos que no hay muchas perras pero sí bastante talento, especialmente de la protagonista, una Lucy Walters muy metida en el personaje, muy creíble, que lo mismo te fusila un ciervo que se impregna de heces para que los infectados no la reconozcan... Pues bien, no hace falta imaginarse nada: ¡este humilde film cuenta todo esto! Disfrutable pero no memorable.

¿Dónde está todo el mundo? (Aka Where have all the People gone?)

3*

Durante unas vacaciones en las montañas, una familia que está haciendo exploraciones arqueológicas en una cueva se da cuenta de que la Tierra ha sufrido una extraña singularidad energética, con potentes radiaciones, como si “el señor estuviera haciendo una foto a la Humanidad”. En el interior de la cueva, sin embargo, parece que las cosas han salido un poco mejor por lo que la familia comienza su regreso a la ciudad, donde les espera su madre… Supervivencia post apocalíptica para toda la familia, rodada para la televisión por el gran John Llewellyn Moxey y con el protagonismo de Peter Graves. Bien rodada, bien interpretada y con una trama suficientemente interesante y tensa. Bienintencionada, en todo caso, aunque con sus valientes momentos de desolación. Además, como dura poco más de 70 minutos, su visionado se transforma en una experiencia satisfactoria. Y su argumento y desarrollo ha servido como plantilla para multitud de films posteriores.

Alien: Covenant

3*

La sexta parte de la saga creada por Ridley Scott sigue con el prólogo comenzado en Prometheus y sigue intentando responder preguntas a la vez que consigue ir creando otros misterios e incógnitas. Parece que el universo Alien se está expandiendo y se les está yendo de las malos, con tanto juego entre replicantes, ingenieros y creadores (como en Blade Runner). Pero no vamos a desvelar el contenido del film o sus múltiples defectos. Vamos a intentar hacer algunas reflexiones sobre lo animado de esta propuesta, sobre todo vista en pantalla grande. Es verdad que es una película cero original (aunque tiene varias novedades interesantes); es verdad que tiene varias escenas absurdas (que igual la versión extendida medio corrigen, aunque algunas es imposible); es verdad que algunos CGI's son abruptos (pero otros son maravillosos); es verdad que la tripulación es un tanto lela (aunque menos que la de la Prometheus); es verdad que algunos comportamientos son inconsistentes (como muchos de los de todas las tripulaciones); y es verdad mucho de lo que se ha criticado de Covenant. Y podríamos seguir horas pero podemos plantarnos aquí y hacer tres reflexiones curiosas. Primera: en vez de Alien, la saga debería empezar a llamarse David (en la línea del gran Ash, claro). Segunda: ¿acaso Scott estaba pensando en el dueño de Virgin cuando decidió carbonizar a Branson? Y, tercera: ¿os imagináis cómo tiene que ser ver estas dos últimas películas, en primer lugar, y luego ir a las 4 previas de la saga a buscar las respuestas? En fin, un entretenimiento palomitero, que tiene de todo (incluso alguna que otra escena técnicamente maravillosa, como la de la flauta) y con alguna que otra ínfula de ciencia ficción hard.

 

The Last Child

2.5*

En un futuro muy cercano (aunque francamente cutre), las personas solo pueden tener un hijo, como en la China malthusiana de las últimas décadas del siglo XX, vamos. La razón es la terrible superpoblación que acosa la Tierra. Una pareja queda embarazada por segunda vez y deciden huir a Canadá, antes de que el gobierno USAmericano les capture y les arranque su única posibilidad de procrear, ya que del primer embarazo se produjo un aborto. Para poder huir, necesitarán la ayuda de un viejo ex senador USAmericano, Quincy George (la última aparición del gran Van Heflin), que les ayudará en todo lo que haga falta. ¿Qué tenemos entre manos, queridos lectores? Pues un telefilm con muy pocos medios, de los muchos que se hicieron para la ABC durante los setenta, rodado con mucha elegancia por el gran artesano que fue John Llewely Moxey y con varias estupendas interpretaciones y la presencia de la siempre hipnótica Janet Margolin. Pero poco más. Aunque el argumento se puede rastrear en productos más recientes, como Hijos de los hombres, de Alfonso Cuarón, basado, a su vez, en una novela de P.D. James.

Estación lunar 44 (Aka Moon 44)

2*

En el año 2038, los recursos naturales de la tierra se han agotado y las multinacionales controlan el universo. La compañía controla la minería de toda la galaxia pero hay problemas en la Moon 44, con otra empresa llamada Pirita, por lo que se envía a un grupo de reclusos con la intención de que rediman su pena. Pero tendrán que aprnder a trabajar con jóvenes nerds intergalácticos. Extraña y semidesconocida mezcla entre un Blade Runner costroso, un Star Wars de segunda regional y un Aliens de serie B, la quinta película de Roland Emerich fue un fracaso en toda regla, debido, principalmente, a un guión poco elaborado y a unos diálogos de instituto. La mezcla, de baja fermentación, arroja impurezas de todo tipo, especialmente un humor socarrón propio de barracones de feria, un exceso de testosterona rancia así como un militarismo marcial de lo más ramplón. Por lo demás, los efectos especiales, el diseño de producción, la uni-gestual actuación del old star Michael Paré y algunas escenas sueltas pueden hacer el visionado interesante, salvo que se haya visto con menos de 15 años, en cuyo caso la nostalgia salvará todos estos vicios señalados. 

La maldición de la mosca (Aka The Curse of the Fly)

2*

La mosca original, la de 1958, tuvo sus continuaciones, como todos sabemos. Además del gran remake que se marcó el David Cronenberg en 1986. En este caso, en esta secuela de 1965, tenemos al viejo doctor Delambre volviendo a experimentar con mutaciones y cosas de esas, con la presencia de una jovencita que pulula por el lugar y que hará también sus pinitos. La verdad es que el guión es cojonudo, los efectos especiales una maravilla, las interpretaciones espectaculares y la tensión y el terror atrapan a su espectador campando a sus anchas… No, en serio: es un basurón de los buenos. Y eso que tras la cámara está nadie menos que Don Sharp. Lejos quedaron, por tanto, los Kurt Neumann y los James Clavell: aquí no tenemos talento ni entretenimiento ni suspense alguno. Solo bostezacos y medias sonrisas. Aunque pueda despertar cierta simpatía o cierta nostalgia, en calidad y en resultados recuerda un tanto a La mujer avispa: esa psicotronía cómica del gran Roger Corman, rodada, curisamente, al calor del éxito de la mosca original.

La cabaña en el bosque (Aka The Cabin in the Woods)

3.5*

Lovecraft decía que “the oldest and strongest emotion of mankind is fear”, especialmente el miedo a lo desconocido. Y el ser humano, no todos pero sí casi todos, se han sentido atraidos por las distintas formas de representar el terror, tanto en literatura como en las artes plásticas o el cine. Sobre los rituales, sobre los dioses antiguos y sobre los sacrificios, especialmente a los que el maestro de Providence llamaba los Great Old Ones. Una película que rompe las reglas, los moldes de varios géneros (terror, ciencia ficción, comedia), donde no se sabe muy bien qué va a pasar a continuación pero que, en última instancia, se sostiene sobre un guión que de tan sofisticado que es por momentos se muestra parcialmente inverosímil. Por otro lado, como en Muerte entre las flores, hay demasiados detalles que encajan muy forzadamente y que, además, continuamente llaman la atención del espectador sobre la naturaleza titiritera del producto. En última instancia, la película es una muestra de lo que podríamos llama terror metaficcional, como la interesante Detrás de la máscara: El encumbramiento de Leslie Vernon. De hecho, desde una posición típicamente postmoderna (autoconsciencia irónica), el film está repleto de múltiples referencias a los mitos del terror de varias culturas y de varios lugares (desde el hombre lobo hasta Cube, desde el payaso de It hasta la obra de Clive Barker), además de a varias películas, especialmente a Posesión infernal Viernes 13 y a los clásicos slasher de la ultraconservadora década de los ochenta. Es decir, lo mismo que Joss Whedon está realizando con la space opera.

Una fría noche de muerte (Aka A Cold Night's Death)

3*

Telefilm de terror, de la serie televisiva Beasts, interpretado por Robert Culp y Elli Wallach. El argumento es el siguiente: dos científicos viajan en helicóptero hasta una estación de investigación en la Antártida, aislada, con frío y viento constantes, para intentar terminar un proyecto que puede ser muy útil a la NASA. Una vez allí, descubriran varias cosas extrañas, la principal de las cuales es que el investigador que estaba encargado del proyecto no está muy católico que se diga. Con una atmósfera que recuerda a la de El enigma del otro mundo y, fundamentalmente, al de La Cosa, de John Carpenter (a la que precede y es posible que haya influido), A cold death’s night constituye un correcto ejercicio de suspense y terror, en un ambiente propicio y con la presencia de unos simios realmente sufridos.

El misterioso castillo en los Cárpatos (Aka Tajemství Hradu v Karpatech)

3*

Ahora que Valdemar acaba de publicar una hermosísima edición de El castillo de los Cárpatos (la gran novela medio gótica de Julio Verne), merece la pena rescatar esta surrealista, paródica y cómica versión de la cinematografía Checa, repleta de ese humor absurdo y bonachón, propio del país, y de esa maravillosa creatividad y sentido de lo fantástico, especialmente en la construcción de una imaginería bizarra que termina siendo muy apropiada a la película. Una delicia para los sentidos y para la inteligencia, que sigue la trama de la novela en lo fundamental (con esa historia de vampiros "cinéfilos" y operísticos de fondo), que agrada con su ambientación y con su neblinez steampunk, que fascina con su originalidad en la puesta en escena y que asombra, en definitiva, a cualquier tipo de espectador. Un auténtico descubrimiento.

Phantasma Apocalipsis (Aka Phantasm IV)

2*

Siguiente capítulo en las aventuras de Mike, Reggie y Jody en pos de El Hombre Alto. Tras la consabida recapitulación de lo más importante de las entregas anteriores, este Phantasma OblIVion comienza siendo fiel a los principales elementos de la saga (no por casualidad, el film está hecho con varios de sus retazos). Sin embargo, como novedad, Coscarelli añade flashs sobre el origen de las actividades de El Hombre Alto (Angus Scrimm), retrotrayéndolas a la Guerra Civil USAmericana, un contexto muy apropiado para el desarrollo de su principal actividad: robar cadáveres para llevarlos a unas dimensiones espacio-temporales más siniestras que el mismo infierno. Preguntas sin contestar, relativamente poca acción y un presupuesto que roza la paga semanal para una entrega que debe verse pero que cuesta cojerla cariño. Habrá que superar la decepción con el visionado de la última parte de la serie, la quinta, recientemente estrenada.

4, 3, 2, 1... morte, aka mission stardust (Aka Órbita mortal Aka Mission stardust)

2.5*

Una nave terrícola es enviada a la luna, donde se encuentra con una nave extraterrestre en la que un alienígena habla de su extraña agonía y enfermedad (que está un poco pachucho, vamos). Por ello, se decide regresar a La Tierra para intentar buscar una cura. Coproducción italo-hispano-alemana, dirigida por Primo Zeglio, que comienza como una película de ciencia ficción pero que deriva en una historia de espías y militares, de acción y de luchas mafiosas por un cargamento de diamantes en pleno Mombassa (sic). La realización es un tanto casposa y el resultado un tanto pop. Sin embargo, la película tiene un personaje maravilloso (además de alguna que otra enfermera cachonda): la alienígena Thora, interpretada por Essy Person. Solo por eso ya merece la pena verse. Y, también, por supuesto, por sus modelitos y por sus escenas eróticas. Nada más que añadir a esta ignominiosa serie B olvidada por el tiempo.

Metrópolis (Aka Metropolis)

4.5*

Dedicada a Orit

Una de las obras maestras del cine de ciencia-ficción de todos los tiempos, Metrópolis se alza como un monumento a la imaginación humana más crítica y visionaria. A través de la elaboración detallada de una distopia, Lang y von Harbou, su mujer, retratan un mundo futuro en el que el capitalismo ha definido con precisión las clases sociales y ha creado un mundo en el que los ricos y los pobres se enfrentan inexorablemente. Pero es un mundo en el que también hay espacio para el amor. Para un amor redentor, como el que luego marcaría la diferencia en Matrix. Para un amor milenarista y judeo-cristiano y, por lo tanto, un amor revolucionario. Para un amor sincero y transversal. Mucho se ha hablado de los efectos especiales (cortesía del engranaje de la UFA), del estilo fílmico expresionista (pionero y desolador, en manos de Karl Freund) o de la música que ha acompañado a varios de sus reestrenos o reediciones (como la versión con el score de Giorgio Modorer) pero poco se ha hablado de la historia y de la enorme lupa cáustica que sus autores pusieron sobre la Europa de entreguerras, una Europa que estaba siendo asolada por el fascismo, por el capitalismo de estado, por una lucha de clases irredenta y por los pilares económico-culturales de la sociedad de masas. Una Europa que ha sido retratada por genios como Walter Benjamin, Siegfried Kracauer o Joseph Roth. Y por genios como Fritz Lang o Thea von Harbou quienes, en esta maravilla visual y moral, dejaron un monumento fílmico a la posteridad de cualquier época y lugar.