Las aventuras de Arsenio Lupin (Aka Les Aventures d'Arsène Lupin)

3*

Una de las más entretenidas y rocambolescas adaptaciones de la obra de Maurice Leblanc, en una aventura que retomaría más adelante el propio Miyazaki para su soberbio y entretenidísimo El castillo de Cagliostro. Enorme Robert Lamoureux como el ladrón de guante blanco sofisticado y enamoradizo, por cierto. Y enorme, tamabién, la concepción del espacio y del color del gran Jacques Becker. Un divertimento que no dejará indiferentes a los amantes de la literatura del gran escritor francés.

 

Five Desperate Women

3*

Desde los años cincuenta del pasado siglo XX, las productoras de televisión han venido ofreciendo al público espectador todo tipo de productos visuales para conseguir que permanezca frente a la caja tonta. La mayoría de las veces mediante productos de baja calidad y baja estofa. Aunque, en otras ocasiones, las cadenas de televisión han conseguido aunar entretenimiento y calidad en diversos productos televisivos. Como en este caso, un telefilm de suspense y terror acerca de 5 viejas compañeras de una elitista universidad USAmericano que se reencuentran para pasar unos días en una isla sin saber que un psicópata se ha escapado, recientemente, de un manicomio cercano. El producto está bien planificado y rodado, por obra y gracia de un ya no tan jovenzuelo Ted Post, maravillosamente interpretado (por Joan Hackett o Stefanie Powers, entre otros) y tiene las suficientes dosis de intriga (sobre todo acerca de la identidad del maníaco asesino, de quien se presentan dos sospechosos) para hacer agradable su visionado. Podría haber dado para más (falta sangre, desnudos o comportamientos un poco más coherentes) pero parece que la intención del director era, simplemente, hacer pasar un mal rato al espectador. Por cierto, la excusa argumental y el desarrollo de la trama serán copiados hasta la saciedad por decenas de producciones posteriores.

Incidente en la esquina (Aka Incident at a Corner)

3*

Una auténtica pieza de relojería, milimétricamente escrita y montada para la televisión USAmericana, rodada por el orondo maestro el mismo año del estreno de Psicosis (y con el mismo equipo, nada menos), y con un reparto maravillosamente funcional (Vera Miles, George Peppard, etc.). Además, el tele film tiene esos destellos de genialidad cinematográfica del tito Alfred y tiene un comienzo impresionante, ya que supone la particular vuelta de tuerca del director inglés respecto de la genialidad de los puntos de vista en Rashomon, un ardid que, casi con seguridad, tuvo que estar en la mente de Quentin Tarantino cuando concibió la escena del centro comercial en Jackie Brown. Una sorpresa televisiva en toda regla que, aunque no esté a la altura de las grandes obras del maestro manipulador, sí que es una obra realmente estimable y que, además, se atreve a aleccionar sin moralizar.

La mujer del lago (Aka La donna del lago)

3*

Bernard, un escritor policíaco, regresa a un hotel cerca de un lago, donde conoció a Tilde, una empleada con la que compartió un apasionado romance, pero descubre que se ha suicidado aunque también hay ciertos indicios de que ha podido ser asesinada. Con la ayuda del fotógrafo jorobado del pueblo, comienza una investigación que le llevará a descubrir la verdadera identidad tanto de su ex amante como de algunos poderosos habitantes del lugar. Una intriga con ciertos elementos giallescos (cuando el género estaba todavía saliendo del horno), que pone el acento en la archiconocida bizarría rural y que se desarrolla con una estética en B&N muy estilizada, elaborada a imagen y semejanza de la publicidad, obra de un director, Luigi Bazzoni, obsesionado con la parte estético-visual del arte cinematográfico. Recomendable para rastrear los orígenes del subgénero amarillento por antonomasia (estamos hablando de un protogiallo en toda regla) y para profundizar en la obra del director italiano.

La torre de los siete jorobados

3.5*

Clásico indiscutible del cine fantaterrorífico español de todos los tiempos, La torre de los siete jorobados es, además, una de las obras maestras de su director, el más Hollywoodiense de los cineastas españoles, el orondo Edgar Neville. Pero claro, con el texto de base no era difícil hacer una película tan interesante como la que hizo el autor de La vida en un hilo. Escrita por Emilio Carrere (ese “sociólogo de la media tostada”, ese “antropólogo de campo, café, copa y puro”, que supo captar la bohemia madrileña con la precisión de un Sawa o de un Valle Inclán), la novela es una eficaz historia de suspense y misterio sobre una sociedad secreta que vive en las catacumbas madrileñas de finales del siglo XIX. La forma en que el protagonista accede a ese mundo y el desenlace acerca de esa intersección de un mundo de pacotilla con un mundo siniestro descansa en una trama galante y cuasi melodramática, donde la influencia de la Radcliffe no parece muy alejada. Enorme Guillermo Marín, por cierto.

Il profumo della signora in nero (Aka The Perfume of the Lady in Black)

3.5*

Ernesto Gastaldi ha escrito que un giallo no es un thriller, ni una historia detectivesca, ni una película de suspense o un film de horror… pero que puede ser cualquiera de estas cosas. O bien, todas a la vez. Esto es, precisamente, lo que le ocurre a este oscuro y maldito giallo italiano, protagonizado por la hipnótica Mimsy Farmer (que acababa de trabajar con Argento en Cuatro moscas sobre terciopelo gris), rodada, al parecer, en solo 8 semanas y una obra maestra en toda regla. Sin ningún punto de contacto con la novela de Gaston Leroux de mismo título, Francesco Barilli construye una atmósfera de paranoia traumática terrible, a base de múltiples detalles y simbologías, a plena luz del día, en exteriores, pero también en los maravillosos interiores donde se desarrolla la trama, estupendamente fotografiados por un tal Mario Masini, con un estilo y una iluminación que recuerdan a los de los maestros Dario Argento y Mario Bava. Conviene no revelar nada del argumento, un tanto hitchcockiano, porque se puede revelar la sorpresa brutal que supone el visionado del film pero sí que se puede adelantar que la película es tremendamente barkeriana y polanskiana… Así que atención al terrible y apocalíptico final (un final, por cierto, que recuerda al de Escalofrío, de Carlos Puerto).

Vestida para matar (Aka Dressed to Kill)

3*

Un argumento inverosímil y rocambolesco, a imitación del de Hermanas, y a medio camino entre el suspense hitchcockiano y el giallo argentiano, que se transforma en el típico ejercicio de estilo de De Palma, saturado de sus constantes marcas de la casa, como el plano de profundidad o “lente partida” (también conocido como split diopter shot), una planificación extraordinaria (atención a la escena en la comisaría), cámara subjetiva (como la escena en el museo), unos movimientos del tomavistas tortuosos como la propia trama y, todo ello, con algún momento realmente grandioso (como la escena del ascensor). La película es tramposa y el suspense relativo, ya que el espectador ágil se dará cuenta del quid de la cuestión más pronto que tarde. En todo caso, un film estimable, que cuenta con una interesante intepretación de Michael Caine, un entregado y sensual protagonismo de Angie Dickinson y con las personalas caracterizaciones del gran Dennis Franz y de la gran Nancy Allen, que ya colaboró con el director en su obra maestra, Carrie, y volvería a hacerlo en la más interesante Impacto. En las cuerdas, como casi siempre, el herrmanniano Pino Donaggio.

Pasaje para un coche fúnebre (Aka The Hearse)

2.5*

Film de terror semidesconocido, obra de una década gloriosa en la historia del cine de género, la de los setenta, y que cuenta con el protagonismo de una mujer y de una casa encantada. Decide irse a vivir a la mansión de su tía, recientemente fallecida, para intentar superar otra muerte familiar y su propio y conflictivo divorcio. En el pueblo, todo el mundo reacciona con estupor cuando se enteran de que está viviendo allí, por el miedo que les infunde el lugar, salvo un joven y apuesto, old fashion gentleman, llamado Paul. Y, a partir de aquí, una historia, lenta y atmosférica, de fantasmas. La historia se sigue con cierto interés porque el ritmo y el suspense están convenientemente desarrollados y dosificados. El argumento es interesante, aunque recuerda a otros films parecidos (como el de Asesino invisible). Sin embargo, los elementos de tensión y de horror del film no han conseguido vencer al paso del tiempo y se muestran en la actualidad un tanto naive e ingenuos. En todo caso, una cinta curiosa y estimable. Como es habitual en la época, la película cuenta con la presencia de una vieja estrella Hollywoodiense en horas bajas. En este caso, Josepth Cotten (como Bette Davis en Pesadilla diabólica o Glenn Ford en Cumpleaños mortal, por ejemplo). Para pasar un regular mal rato, vamos.

Puente de invierno

2.5*

Durante un puente de Semana Santa, unos excursionistas irrespetuosos van a parar con su furgoneta estropeada a las Tamujas, una zona rural perdida en mitad del campo. Piden ayuda a Lorenzo (Álvaro de Luna), un labriego huraño y ordinario, pero como no sabe nada de coches no puede ayudarles. El aldeano les invita a quedarse en su casa y a participar de sus costumbres y rutinas, hasta que las cosas se tuercen una buena noche, debido a una broma que le hacen al anfitrión. Lorenzo, herido en su masculinidad y en su orgullo, aplica su particular venganza con las armas de un gañán. Aunque las confusiones y accidentes también campan a sus anchas. Traslación cañí de La matanza de Texas, rodada y estrenada en plena época del “cine de paleto lento” (como decía Jesús Franco), esta película de supone una pieza fílmica curiosa y bastante entretenida. La trama sigue al pié de la letra buena parte de las excusas argumentales del slasher USAmericano, a la que se añade costumbrismo rural hispano, zoofilia agraria y asesinato de animales en directo (la típica barbaridad de una industria del cine des-regulada y arcaica). Por cierto que, respecto de esta cuestión, el director se atreve a montar una escena donde se abre en canal a un cerdo y, en paralelo, dos jóvenes mantienen relaciones sexuales. En fin, cine sin mensaje pero con moraleja. Cine de género y generacional made in Spain. 

Horror en la mansión Fordyke (Aka The Black Torment)

3*

Sir Richard Fordike regresa a su mansión tras casarse con Lady Elizabeth en Londres. A su llegada a la Fordike Manor comienzan a suceder unos extraños sucesos y extrañas apariciones, que acusan al caballero y ponen en entredicho su cordura. Oscuro y olvidado film de misterio inglés, rodado a la manera de una producción de la Hammer y, por tanto, con varios puntos de contacto (temáticos, narrativos, estéticos, etc.) con la filmografía de la vetusta productora gótica británica, junto con películas rodadas en Inglaterra por la AIP, como El ataud (la caja oblonga), con la que comparte varios elementos. Excelente desde el punto de vista interpretativo y técnico, y con una maravillosa ambientación (como subraya también Jonathan Rigby en su imprescindible English Gothic), supone un descubrimiento muy atractivo para todos aquellos interesados en el desarrollo del cine gótico Europeo. Pero, eso sí, hablamos de ese que sigue las premisas de la literatura escrita por la gran Ann Radcliffe.

Nuestro hombre en Milán (aka La mala ordina)

3*

Dos feroces matones provenientes de la Mafia USAmericana de Nueva York (Henry Silva y Woody Stroode) son enviados a Milán para eliminar a un tal Luca Canalli (Mario Adorf). Por su parte, el jefe local de la organización (Adolfo Celi), también hace suya la misión, sin entender realmente el motivo que se esconde detrás. Por supuesto, el pobre Luca, un antihéroe sin suerte ninguna, sí que no se entera de nada y va dando trompazos durante todo el metraje. Fernando Di Leo rueda otro emocionante e inteligente poliziesco, “cine mano armada”, esta vez con más elementos pop (atención a las fiestas con la Sylva Koscina) y con la inconfundible ambigüedad moral típica del subgénero. Como guiño a la época, Di Leo introduce una explosiva secuencia a imagen y semejanza del French Connection de Friedkin, estrenada solo un año antes (de hecho, el título anglosajón de este film es The Italian Connection). ¡Madre mía qué persecución automovilística por las calles de Milán! ¡Qué pulso, qué tensión, qué papelón hace Mario Adorf, qué bien hilvanada está toda la cacería con el poderoso tema de rock que suena de fondo y qué bien montada toda la escena! Segunda parte de la llamada “trilogía milieu”, tras Milán, calibre 9 y antes de Secuestro de una mujer. El final, por cierto, es brutal, de una rabia y de una violencia descarnadas.

Los sin nombre

2.5*

Dedicada a Lucía

Cualquier película se elabora a partir de un guión. Y ese guión puede ser original o puede ser una adaptación de otra obra previa. Esto puede ser una obviedad pero conviene recordarlo porque a veces se olvida. O, mejor, porque a veces no somos plenamente conscientes. Es verdad que hay películas, más o menos experimentales, que se “ruedan” sobre la marcha, casi sin guión. Pero también es verdad que el 99% de las obras cinematográficas se levantan sobre un texto escrito anterior. Y cuando el texto de base es obra de un autor como Ramsey Campbell, es muy difícil pifiarla. Y eso que la novela es un tour de force sobrenatural, ambientado en una Inglaterra malsana de la ultraconservadora década de los ochenta. Pero bueno, si además contamos con un director sensible al género, como Jaume Balagueró (que aquí se estrena en el largometraje), el resultado puede ser de lo más espeluznante e imprevisible. Como en este caso. Un solvente film de terror, tétrico y escalofriante, sobre una investigación criminal y una secta un poco clivebarkeriana, cenobita, extrañísima, “Los sin nombre”, que tiene relaciones con el ocultismo nazi. Igual la fotografía es un poco plana; igual la música es un poco del montón; igual las interpretaciones son un tanto grises; pero en el plano de la historia, de la atmósfera y del suspense, la película es estupenda y cumple con creces el objetivo para el que ha visto la luz: dar miedo. Enhorabuena a todo el equipo. Y no se la pierdan, por favor, en particular los admiradores de Martyrs.

Matador

3*

Extraña mixtura entre los cánones del giallo, el thriller más convencional y el mundo del toreo, Matador supone una de las películas más estimulantes de toda la carrera del trasnochado Pedro Almodóvar, abandonando ya el amateurismo anterior. Por eso, ya se vislumbra profesionalidad en los siguientes apartados de producción: la planificación, el guión, la dirección de actores, los técnicos, la fotografía, etc. Jugando con la sexualidad, la muerte y las convenciones patrias, el manchego propone nada menos que una superposición de dos placas tectónicas nacionales: la atracción por la sangre y la obsesión por el sexo. Es decir, “Pédrooooooo” propone una reflexión visual y literaria sobre los extremos del placer, entre el estoque, la violación, el cilicio y otras perversiones de un pueblo reprimido y represor. La chabacanería, el puterío, el quinquismo de la movida, la charcutería y lo carnavalesco del cine de Almodóvar, todo ello se pone al servicio de una historia truculenta pero estetizada, a caballo entre el conservadurismo franquista, las convenciones de la religión y de la fiesta y la transgresión experimentadora, propia de la irredenta década de los setenta. Y, además, el film cuenta con tres aceptables interpretaciones, la de Chus Lampreave, la de Assumpta Serna y la del siempre titubeante Antonio Banderas, aquí poniendo los primeros ladrillos de su leyenda de casanova, de macho cabrío, entro lo cafre, lo rudo y lo “perrito abandonado”. Como curiosidad, el comienzo de la cinta, con la escena masturbatoria de créditos, despliega todo un homenaje a ese cine maldito y elaboradísimo que realizó el maestro Mario Bava (y, en menor medida, Jesús Franco). Todo un guiño al cine de género, justificadísimo. Años después, Almodóvar volvería a intentar el mismo truco pero, esta vez, respecto de la obra de Franjú. Y no le salió igual de bien.