Blade Runner 2049

3*

Una de las características principales de la industria hollywoodiense de comienzos del siglo XXI es su recurrencia al remake. La falta de ideas, el conservadurismo narrativo o la cobardía financiera han explosionado en una cultura cinematográfica plagada de revisitaciones de clásicos o de cintas de culto de varias décadas, normalmente con más pena que gloria. En este caso, Denis Villeneuve y los guionistas originales del mítico film de Ridley Scott sobre la obra de Philip K. Dick han decidido situarse a medio camino entre el remake y la secuela pues, si bien es verdad que estamos ante una película que “continúa” la historia original, lo hace recreando tanto el mundo futuro de la original como sus principales elementos técnico-artísticos (con cientos de homenajes y guiños a la obra original, por cierto, aunque con unas curiosas y sorprendentes novedades, algunas de las cuales están bien pegaditas a la obra de Satoshi Kon, por cierto). Por eso, Blade Runner 2049 es un film replicante y replicado del ADN inicial y, por tanto, un film con fecha de caducidad. El actor con la cara de pena más rentable del cine actual, pone el físico a un nuevo caza robots que debe desenmascarar toda una conspiración milenarista revolucionaria, en plan Matrix. Si el clásico de ciencia ficción de Scott no se caracterizaba por su especial complejidad sino por su parsimonia y atmosférica ambigüedad, Villeneuve ha decidido abrir la puerta a una franquicia en la que se pueden esperar tantas sorpresas y tantos vacíos como en la saga Alien, otra franquicia descontrolada (aunque entretenida). El ritmo del visionado, eso sí, puede ayudar a buena parte de los espectadores a relajarse del ajetreado y típico timing urbanita del 2017.

La momia: la tumba del emperador Dragón (aka The Mummy)

2*

Reactualización Ni-Ni del cine de aventuras à la Indiana Jones, aunque mucho más convencional y para toda la familia, y con un Brendar Fraser inverosímil, siguiendo sus correrías habituales como guaperas chuleras profesional. En una trama irrisoria y muy pastichera (con elementos de Indiana Jones y el templo maldito, La momia, El Yeti, Shangri-La e Indiana Jones y la última cruzada), el director despliega una enorme cantidad de efectos CGI: es decir, saturación informática sin alma, lo que produce una sucesión incansable de escenas, claramente desdramatizadas, y un humor ramplón y absurdo. A lo que hay que añadir unos diálogos de nivel ESO y una BSO con los cortes desechados de mil y un productos de este tipo. Por cierto, sorprende darse cuenta de que los protagonistas van de arqueólogos cuidadosos pero todo lo que tocan se lo cargan: a su alrededor no queda en pié nada, da igual que sea moderno o antiguo. En definitiva, un film solo aconsejable para los fans del Tamagotchi.

Alien: Covenant

3*

La sexta parte de la saga creada por Ridley Scott sigue con el prólogo comenzado en Prometheus y sigue intentando responder preguntas a la vez que consigue ir creando otros misterios e incógnitas. Parece que el universo Alien se está expandiendo y se les está yendo de las malos, con tanto juego entre replicantes, ingenieros y creadores (como en Blade Runner). Pero no vamos a desvelar el contenido del film o sus múltiples defectos. Vamos a intentar hacer algunas reflexiones sobre lo animado de esta propuesta, sobre todo vista en pantalla grande. Es verdad que es una película cero original (aunque tiene varias novedades interesantes); es verdad que tiene varias escenas absurdas (que igual la versión extendida medio corrigen, aunque algunas es imposible); es verdad que algunos CGI's son abruptos (pero otros son maravillosos); es verdad que la tripulación es un tanto lela (aunque menos que la de la Prometheus); es verdad que algunos comportamientos son inconsistentes (como muchos de los de todas las tripulaciones); y es verdad mucho de lo que se ha criticado de Covenant. Y podríamos seguir horas pero podemos plantarnos aquí y hacer tres reflexiones curiosas. Primera: en vez de Alien, la saga debería empezar a llamarse David (en la línea del gran Ash, claro). Segunda: ¿acaso Scott estaba pensando en el dueño de Virgin cuando decidió carbonizar a Branson? Y, tercera: ¿os imagináis cómo tiene que ser ver estas dos últimas películas, en primer lugar, y luego ir a las 4 previas de la saga a buscar las respuestas? En fin, un entretenimiento palomitero, que tiene de todo (incluso alguna que otra escena técnicamente maravillosa, como la de la flauta) y con alguna que otra ínfula de ciencia ficción hard.

 

La noche de las gaviotas

2.5*

Última parte de la tetralogía templaria de Amando de Ossorio y, probablemente, la más redonda de todas ellas, una especie de mixtura entre el Dagon lovecraftiano, La noche de los muertos vivientes y el imaginario espectral creado por el director gallego. No por casualidad, el film tiene ciertos puntos de contacto con la mejor de las producciones de la Fantastic Factory en España, la película de Stuart Gordon basada en “La sombra sobre Innsmouth”. El director cuenta con mejores medios (tampoco muchos), mejores actores, un guión más elaborado, sus típicos estilemas visuales (como la cámara lenta peckinpahiana) y la música de Antón García Abril. El resultado, sin ser una de las mejores producciones fantaterroríficas del país, sí que es un film estimable por su atmósfera y por algunos aciertos parciales, aunque, a su pesar, la trama adolece de un ritmo pomposo, ya del todo caduco, así como de multitud de puntos muertos. En todo caso, en conjunto, la película merece un aprobado por el difícil contexto en el que se rodó, por el tosco talento de su director para contar una historia de cultos primigenios y por las magníficas resonancias que produce en el espectador (esas gaviotas que vuelan de noche, esos sacrificios en la playa, ese monstruo que come corazones sangrantes, etc.).

La maldición de la mosca (Aka The Curse of the Fly)

2*

La mosca original, la de 1958, tuvo sus continuaciones, como todos sabemos. Además del gran remake que se marcó el David Cronenberg en 1986. En este caso, en esta secuela de 1965, tenemos al viejo doctor Delambre volviendo a experimentar con mutaciones y cosas de esas, con la presencia de una jovencita que pulula por el lugar y que hará también sus pinitos. La verdad es que el guión es cojonudo, los efectos especiales una maravilla, las interpretaciones espectaculares y la tensión y el terror atrapan a su espectador campando a sus anchas… No, en serio: es un basurón de los buenos. Y eso que tras la cámara está nadie menos que Don Sharp. Lejos quedaron, por tanto, los Kurt Neumann y los James Clavell: aquí no tenemos talento ni entretenimiento ni suspense alguno. Solo bostezacos y medias sonrisas. Aunque pueda despertar cierta simpatía o cierta nostalgia, en calidad y en resultados recuerda un tanto a La mujer avispa: esa psicotronía cómica del gran Roger Corman, rodada, curisamente, al calor del éxito de la mosca original.

Torrente 4: Lethal Crisis

1.5*

Siguen las zafio andanzas del personaje más casposo del cine español (no del todo original, por cierto), con más pena que gloria y sin ningún tipo de enseñanza y/o moraleja. A una sucesión de gilipolleces para makokis, chonis y calorros, Santiago Segura añade una sucesión infinita de cameos (con buena parte de la caspa del país) y cuñas de publicidad de todo tipo, con muchas explosiones intelectuales (de esas que entusiasman al americano medio como Homer Simpson) y todo tipo de gracias pedestres y chabacanas. El problema de este tipo de cine es que hay un momento en que la parodia se transforma en guiño e, incluso, en homenaje, dejando su humor en un terreno intermedio entre una crítica más supuesta que efectiva y el afecto más rancio. Totalmente prescindible, como sus consiguientes y consabidos precedentes y continuaciones.

Viernes 13 5 parte: un nuevo comienzo (Aka Friday the 13th: A New Beginning)

1.5*

En la anterior entrega, el pequeño Tommy Jarvis se hizo pasar por Jason Voorhees como estrategia psicológica defensiva para poder acabar con él de una forma despiadada. En este nuevo comienzo, un ya adulto Travis desarrolla una personalidad traumatizada, tiene alucinaciones y es ingresado en Pinehurst, un hospital para adolescentes con trastornos mentales. Por otro lado, parece que Jason está continuando su infinita venganza, curiosamente cerca del mismo hospital, aunque unas marcas rojas o azules en la máscara de hockey pueden dar una buena pista. Danny Steinmann, el director de Gemidos en la oscuridad y de Calles Salvajes, una auténtica actionpunk movie, tiene que hacerse con un material infumable para perpetrar este fake regreso del asesino psicópata de Crystal Lake, cuya característica más notoria es su cronología indeterminada (no se conoce cuánto tiempo ha pasado, en qué estación del año se desarrolla o qué día de la semana es). En todo caso, el equipo técnico-artístico intenta elevar el nivel de originalidad en el diseño de los crímenes, en la explicitación de la violencia y en el paseo de desnudos gratuitos aunque, por otro lado, también hay crímenes calcados a otros anteriores, lo que demuestra una ejecución rutinaria. En la última escena, la transformación que se intuía al final de la cuarta entrega, se llega a materializar, cerrando el círculo del transtornado personaje interpretado por Corey Feldman (quien, en esta entrega, solo aparece en un cameo porque estaba rodando Los Goonies). Como curiosidad, en una escena televisiva un par de personajes están contemplando Un lugar en el sol, de la misma productora que toda la saga, la Paramount, que venía ingresando su periódica remesa de dólares del box office con una saga aparentemente sin fin.

 

Phantasma Apocalipsis (Aka Phantasm IV)

2*

Siguiente capítulo en las aventuras de Mike, Reggie y Jody en pos de El Hombre Alto. Tras la consabida recapitulación de lo más importante de las entregas anteriores, este Phantasma OblIVion comienza siendo fiel a los principales elementos de la saga (no por casualidad, el film está hecho con varios de sus retazos). Sin embargo, como novedad, Coscarelli añade flashs sobre el origen de las actividades de El Hombre Alto (Angus Scrimm), retrotrayéndolas a la Guerra Civil USAmericana, un contexto muy apropiado para el desarrollo de su principal actividad: robar cadáveres para llevarlos a unas dimensiones espacio-temporales más siniestras que el mismo infierno. Preguntas sin contestar, relativamente poca acción y un presupuesto que roza la paga semanal para una entrega que debe verse pero que cuesta cojerla cariño. Habrá que superar la decepción con el visionado de la última parte de la serie, la quinta, recientemente estrenada.

The Woman

3*

Bram Stoker escribió que había que aprender mucho de las bestias. Pero también es verdad que las bestias tienen mucho que aprender del ser humano, de su crueldad y sadismo. Un padre de familia captura en el bosque a una mujer que vive de forma salvaje. La lleva a su casa e implica a toda su familia en la tarea de educarla, de civilizarla. Pero las cosas no saldrán como se esperan porque, de hecho, la mujer capturada es la superviviente de un clan de caníbales ultra violentos (historia narrada en Offspring) y el padre es un auténtico perturbado como, de hecho, lo es (casi) toda su familia. Con una puesta en escena soberbia, fibrosa y contenida, el director va construyendo una historia tensa y violenta, que funciona como una turbadora parábola sobre las entrañas del proceso civilizador en las sociedades Occidentales, tanto en su aspecto teórico como práctico: una pura neurosis colectiva, una cadena de barbaridades que pasan de generación en generación. Y todo funciona como una especie de Haneke sanguinolento. La BSO, como en la mítica La matanza de Texas, apoya la acción de forma brutal con las canciones, las voces en off y los efectos de sonido que va necesitando cada escena (como la del efecto “sordera” o en el momento “tenazas”). Terrible.

Viernes 13 4 parte: último capítulo (Aka Friday the 13th. The Final Chapter)

2*

Justo un día después. Sí. No ha pasado más que un día desde los acontecimientos mostrados en la tercera parte y Jason ya vuelve a hacer de las suyas en esta cuarta entrega de la serie. Tras el típico resumen pre créditos, comienza el festín de adolescentes, hormonas y sangre. En la tercera parte, Jason, ese alma torturada, es eliminado con su misma medicina: un machetazo en la cabeza le dejó seco en una granja cerca de Crystal Lake. En esta entrega, Jason es trasladado a un hospital y, al poco de llegar, resucita, sale del hospital y regresa a Crystal Lake para acosar al típico “hatajo de cachondos”, entre los que se encuentra Tommy Jarvis (Corey Feldman), un adolescente admirador de los efectos especiales que vive con su madre y su hermana en una casa cerca de Crystal Point. Por cierto, años antes, Feldman apareció en Los pasajeros del tiempo en un brevísimo personaje que se llamaba Jason. Joseph Zito, el creador de ese clásico slasher que fue The Prowler, agarra un presupuesto limitado y con una rusticidad narrativa aplastante, regala al espectador un nuevo cóctel de sexo gratuito, desnudos, violencia explícita y esos gotarrones de sangre propios de la saga. Algo que, por otra parte, ya había rodado en la oscurísima Bloodrage, de finales de los setenta, aunque con un toque argento. Lo demás, diálogos absurdos (atención al que tienen Crispin Glover y su acompañante en el coche), saltos de escena execrables y unas interpretaciones de casting deshechado de teleserie, aunque la sorpresa y el efecto de maquillaje finales dejan un relativo buen sabor de boca.

 

Quantum of Solace

2.5*

Un montaje rápido, vertiginoso, pero imperfecto, sigue las sucesivas peripecias de un Bond descontrolado, justo al día siguiente del final de Casino Royale y, por tanto, justo un día después de la muerte de Vesper Lynd (Eva Green). Pasable continuación temático-emocional de la obra maestra de Martin Campbell, dirigida con pulso errático e irregular por Marc Foster (de hecho, son los mismos guionistas en las 2 cintas). Daniel Craig cada vez está más convincente en el papel de 007: contundente, frío y elegante a partes iguales (de hecho, podría defenderse que es el mejor espía al servicio secreto de su Majestad, después de Roger Moore, por supuesto; es decir, es el actor más convincente poniendo la cara al agente secreto británico que salió de la pluma de Ian Fleming). La chica Bond esa que sale (Olga Kurylenko), sin ser espectacular, produce cierta admiración y el astuto y despiadado Némesis francés (Mathieu Amalric) crea un personaje a la altura de la trama y del mensaje eco-político de fondo. Un mensaje que, por cierto, es ciertamente apropiado al espíritu de los años 00 en que fue estrenada esta vigésimosegunda producción de la saga y que, como curiosidad, contiene un homenaje a James Bond contra Goldfinger. Sin ser una fiesta del cine, Zineface no cree que mucha gente pueda salir de la sala oscura decepcionada con el film. Sin embargo, se insiste, tampoco estamos ante una película inolvidable.

Mad Max 3: más allá de la cúpula del trueno

2.5*

La más mística de toda la saga, esta tercera entrega de las aventuras post-apocalípticas del Loco Max sorprende por su arriesgada concepción: en el contexto de la ultraconservadora década de los ochenta, George Miller se atreve a continuar las peripecias anteriores del ex policía Max Rockatansky en un mundo devastado, violento y cruel pero, al mismo tiempo, le añade una parte antropológica donde una tribu de chiquillos muestran a toda una sociedad denigrada y mercantilizada cuál es la esencia de la civilización. Es decir, a una alegoría sobre el fin de la Humanidad, Miller introduce una reflexión sobre la naturaleza del zoon politikón, en la línea de El señor de las moscas o, incluso, La selva esmeralda. En su época se comentó, y mucho, tanto la música como la presencia de la soul-star Tina Turner, una poderosa mujer de más de cuarenta años que no desentonaba ni con la historia ni con el espíritu del film. En cuanto a lo demás (ambientación, diseño de personajes, vestuario, escenas de acción, fotografía), todo en su sitio: como en las dos películas anteriores y como en la espectacular última parte de la, por ahora, tetralogía, Mad Max: Fury Road. Por cierto, la escena del Thunder Dome sigue impresionando por su excelente planificación y montaje.

Inferno

2.5*

Dedicada a Barbara.sociales

Segunda parte de la conocida “Trilogía de las Tres Madres” del maestro del giallo italiano, Dario Argento. El film es una variación, tanto temática como estética, de su anterior éxito, Suspiria, con varios de sus motivos y giros argumentales pero con menor consistencia dramática. No obstante, en esta historia, Argento ya se abandona casi definitivamente al regodeo visual y a su propio y particular paroxismo narrativo, primando la ambientación, la iluminación y la puesta en escena por encima de una trama consistente. Por otro lado, esos elementos ayudan a subrayar el carácter sobrenatural de toda la historia, lo cual le viene pintiparado a todo el producto. Coherentemente con la obra, repetimos: la película es lenta y repetitiva en muchas de sus partes pero el goce estético, para quienes no le den demasiada importancia a una buena historia, está asegurado. Y ello pese al poderoso reclamo con el que comienza la película: con el libro de The Three Mothers, el extraño edificio neoyorkino y el misterioso anticuario, todo ello conformando un buen anzuelo. Por cierto, el extraordinario teclista Keith Emerson, de Emerson, Lake & Palmer, compone un score variadísimo, con cortes excesivos pero con partes muy apropiadas. En defiinitiva, una obra para completistas del “undisputed master of Italian horror cinema”, según Chris Gallant. Con permiso de Mario Bava, por supuesto.

Allan Quatermain y la ciudad perdida del Oro (Aka Allan Quatermain and the Lost City of Gold)

2*

Segunda parte del díptico que sobre la inmortal creación de H. Riderd Haggard, el profesor Allan Quatermain, realizara la estrafalaria The Cannon Group, Inc., tras el éxito de Las minas del rey Salomón (no confundir con Las minas del rey Salmonete). Sin embargo, en este caso, tanto el trasfondo como las historias originales son transformados, a la vez, en una especie de parodia de las películas de Indiana Jones (en la línea de La joya del Nilo), aunque rodada por una estrella sin el carisma de Harrison Ford (ni de Michael “Daglas”), Richard Chamberlain, y por una partenaire tan desquiciada como hermosa, Sharon Stone, por entonces tan desconocida que ni uno solo de los adictos al videoclub de la época se alegraron de que protagonizara este film al lado del tipo de El pájaro espino. Por tanto, estamos ante una auténtica producción Golan-Goblus, es decir, estamos ante un subproducto fílmico que fue presupuestado en unos 10 millones de dólares pero que, finalmente, fue realizado con 3 dólares y 75 centavos, tal y como, de forma jocosa, afirma el propio Chamberlain en ese glorioso documental que es Electric Boogaloo: La loca historia de Cannon Films. En definitiva, una película con pena y sin gloria, en la línea estropajosa de El templo del oro.