Mis 5 imprescindibles de Steven Spielberg:

      

-       El diablo sobre ruedas (1971). 

-       Tiburón (1975).

-       Indiana Jones en busca del Arca perdida (1981).

-       Minority Report (2002).

-       Atrápame si puedes (2002).

Apocalypto

3.5*

Enérgica y salvaje película de acción en el plano narrativo y conmovedora en el plano emocional. Además, funciona perfectamente como una potente metáfora de nuestra -y, probablemente, de cualquier- civilización: de cómo explotamos, arrasamos y nos aprovechamos de cuanto nos rodea porque la mayoría de nosotros -como escribió Pascal- no sabemos permanecer tranquilamente en una habitación. La película es también un arriesgado ejercicio de fidelidad y respeto -no siempre conseguido- a las culturas que retrata: de ahí el hecho de rodarse en la lengua maya. Especial atención a la escena cumbre de la película, justo en el encuentro entre dos mundos. Por otro lado, la suma de tópicos, deslices y anacronismos relaja un tanto la capacidad subversiva del film. Bien hecho Mel.

Libertad condicional

3.5*

Desde El buscavidas a Bajo el peso de la ley, el cine usamericano ha desarrollado un género particular alrededor de la magnética figura del perdedor. Los años sesenta y setenta fueron particulamente prolíficos en este campo porque el derrumbamiento del sueño americano hizo aflorar, de sus escombros, toda suerte de inadaptados, como el que retrata esta película. Ulu Grosbard adapta la novela de Edward Bunker -un delincuente experimentado que también colaboraría en el guión de otro clásico del género, El tren del infierno-, sobre los problemas de un ex presidiario para amoldarse a una vida convencional, que sufre la obstrucción del propio sistema judicial y que, además, tiene serios problemas para respetar la propiedad ajena. Para ello, Grosbard contó con la colaboración inestimable de un grandísimo Dustin Hoffman quien, por cierto, visitó al novelista en la prisión donde se encontraba recluido. Hoffman cimentó un poco más su sólida -aunque algunas veces histriónica- capacidad interpretativa mientras que la hermosa Theresa Russell y el genial Harry Dean Stanton aportaron dos piezas imprescindibles y convincentes a la historia: la chica enamorada y el fiel compañero de profesión y amigo. Como curiosidad, el ayudante de dirección, Larry J. Franco, pasaría a colaborar con el maestro John Carpenter casi tras su participación en esta película.

La fuente de la vida

3*

Mágica, irreal, hermosa. Una sorprendente mezcla de espiritualidad y carnalidad. Darren Aronofsky trama una reflexión moral y sentimental mediante tres historias que se superponen cronológicamente: una ambientada en la conquista de América, otra en la actualidad y, la tercera, en el futuro. Sin embargo, el esteticismo se superpone continuamene a un eclecticismo religioso que desemboca, finalmente, en un conclusión excesiva y grandilocuente. Todo ello salpicado con las gotas inaprensibles de la obra de un Edgar A. Poe, especialmente las que se destilan de las etéreas pero lúgubres Ligeia o Morella. Por otro lado, la profundidad no consigue estar siempre a la altura de las imágenes e, incluso, alguna escena fuerza la sonrisa del espectador con una inesperada ridiculez, todo lo cual hace totalmente comprensible las opiniones encontradas sobre la película. Como digo, esteticamente absorbente, espiritualmente emotiva pero, a la vez, muy triste, incluso con un love is forever de por medio. A destacar el trabajo de Hugh Jackman y de la oscarizada Ellen Burstyn. 

La Cosa

4*

En 1948, el editor de la influyente Astounding Science-Fiction, John W. Campbell jr., publicó el relato Who Goes There?, que fue prestamente adaptado al cine de la mano de Christin Nyby con el título The Thing from Another World (1951), con un alambicado espíritu hawksiano que sería recuperado en la siguiente versión, la arquetípica La Cosa. En 1982 -después de encadenar Asalto a la comisaria del Distrito 13, La Noche de Halloween, La Niebla y 1997: Rescate en Nueva York-, John Carpenter estudia la narración original y decide adaptar la historia de la manera más fidedigna posible, inspirándose también en la versión anterior. El resultado es una película tensa, magníficamente planificada y montada, y con un suspense terrorífico y apocalíptico. El trabajo de Morricone acentúa esa tensión con una BSO minimalista y amenazadora, los efectos especiales de Rob Bottin consiguen materializar nuestros miedos con un diseño efectista y bizarro y el plantel de actores cumple a las mil maravillas con sus personajes. Por su parte, en su tercera colaboración con el director de Carthage, Kurt Rusell sustituye la piel de Elvis y de Snake Plissken y se apunta otro tanto con su interpretación del cínico piloto MacReady, un auténtico antihéroe carpenteriano. El final, de una ambiguedad demoledora, constituye uno de los más oscuros de la historia del cine.

El Gran Gatsby

3*

Si hay una frase que actúe como leitmotiv de toda esta historia, sería la que Daisy (Mia Farrow) le espeta a Robert Redford (Gatsby), mitad abatida mitad jactanciosa: "las chicas ricas no se casan con chicos pobres". En 1925, Francis Scott Fitgerald publicó su obra maestra, una descorazonadora y exquisita narración sobre la vida social de las clases altas y su vacuidad así como, principalmente, sobre la atracción que una de sus más frívolas maniquíes ejerce sobre un self-made man, el protagonista Jay Gatsby, que sufre la crueldad y el desdén de un mundo al que no pertenece. Sobre esta historia se han realizado cuatro versiones cinematográficas, siendo ésta la mejor de ellas. Francis Ford Coppola construyó un guión espléndido -sobre un borrador de Truman Capote-, que recogía lo mejor de la novela, tanto argumental como idiomáticamente, y desarrollaba casi todos los pormenores de la trama. Por su parte, Jack Clayton dirigía con detenimiento y esplendor uno de sus mejores trabajos, con una meticulosa y exhuberante dirección artística, una fotografía bien contrastada de Douglas Slocombe -que ya había ejercitado el retrato de la riqueza en The Servent, de Joseph Losey-, y una BSO que casi ni se nota, salvo en las múltiples fiestas que salpican el metraje. Hay quienes dicen que la película aburre, hay quienes dicen que la película es romántica... Ambos se equivocan.

Quemar después de leer

3*

Una pelicula de filigrana, construída sobre una historia llena de coincidencias y casualidades, al estilo de Muerte entre las flores, con un guión que parodia, entre otras cosas, las películas conspiro-paranoicas y de espionaje, en la línea de Teléfono, de Don Siegel (con un espectacular Donald Pleasence). La película entretiene, te arranca varias sonrisas pero tambíen hace pensar aún más de lo que propone su alocada apariencia. Por otro lado, hay que destacar la genialidad de la siempre fiel Frances MacDormand y, por encima del resto de actores, de Brad Pitt, el descubrimiento cómico del film. Los guiños inteligentes -marca de la casa Coen Corporation.- y la critica social aparecen por doquier pero no le roban al humor el protagonismo de la historia. Lo cual resulta algo más que elogiable y transforma esta ración extra de torpeza en la tercera entrega de lo que el propio George Clooney denominó la "trilogía de los idiotas" (junto con O Brother! y Crueldad Intolerable).

Sex and the City

1.5*

Una chorrada, de verdad, para que nos vamos a engañar: típica, falsa, edulcorada, llena de marcas comerciales, eslóganes y modelitos. Y, todo ello, sobre la base de una historia trillada y absurda donde hay algo de sexo y muy poco de amor. Amor y sexo que son tan falsos como esa amistad que sobrevive a base de tarjetas de crédito. Nada que ver con algún que otro capitulo sagaz y emocionante de la serie... Curiosamente, se rodó en el doble de tiempo que Gran Torino. 

Watchmen

3.5*

¿Quién querría deshacerse de un superhéroe en sus horas bajas? Esta es la premisa que sostiene el argumento de esta asombrosa película, que funciona por sí sola pero que también es una más que correcta adaptacion de la novela gráfica -una genuina obra maestra- de Alan Moore y Dave Gibbons, dos auténticos genios del noveno arte (exceptuando, entre otras cosas, la pelea inicial, la ausencia de algunas subtramas -como la del niño y el quiosquero- o el final "alternativo"). Tras 300 -otra adapación al cine de otro clásico del cómic-, Zack Snyder se atreve con el creador del portentoso From Hell original y no descarrila en su empresa. La experiencia de ver los 162' de su metraje, en la sala oscura, produce el mismo efecto que leer el comic: te absorbe, te sacude, te hace pensar, te soprende, te admira y también te aburre, como la vida misma, aunque la que retrate esta experiencia visual sea la de unos héroes disfrazados a quienes intentan eliminar, en unos EE.UU. alternativos, de la década de los ochenta, con música de Bob Dylan de fondo (al menos tres temas): ahí es nada. Todo lo cual nos hace preguntarnos ¿quién querría contar esta historia? La respuesta la encontraréis en la mente de un iluminado de Northampton: Alan Moore.

Viaje a Darjeeling

3.5*

 

Curiosa, emocionante y hermosa pelicula sobre los viajes que hacemos para reencontrarnos y para unirnos. Y, como esos mismos viajes, a ratos fascinante, a ratos tediosa, siempre anárquica. Geniales los tres hermanos protagonistas, especialmente ese espectacular Jason Schwartzman (quien, por cierto, además de miembro oficial de la Westroupe, tiene una banda de indie pop realmente interesante: Coconut Records). Lo de menos es que la India que se nos muestra parezca un anuncio. O mejor: la versión naïve de los fondos de paisaje de las películas de Satyajit Ray, a quien se dedica la película. Por cierto, fue rodada en el desierto de Rajasthani: un síntoma, sin embargo, de autenticidad. La secuencia de créditos, con la música de The Kinks, This Time Tomorrow, se nos antoja ya de culto. Muy aconsejable para quien quiera viajar sin salir de su cuarto.

Si la cosa funciona

3*

Que la suerte (que la fortuna) es un factor de importancia capital en las relaciones humanas es algo que Woody Allen ya nos había contado en la magnífica película que rodó sobre la vida de un profesor de tenis, ambicioso y sin escrúpulos, que no quiere renunciar a su forma de ser: Match Point. Por su parte, Si la cosa funciona es la cara alegre, sofisticada y amañada de esta importancia. Pero mientras en la primera película los personajes estaban constantemente al borde de la neurosis, en ésta todos los personajes persiguen y encuentran la felicidad en los márgenes (o un paso más allá) de lo que consideran moral y éticamente aceptable. Curiosamente, esta historia proviene de un antiguo guión, que fue abandonado a causa de la muerte del actor que iba a encarnar a Boris Yellnikoff y que ha sido recuperado para la causa por mediación creativa de la huelga de guionistas del 2008. Finalmente, la lección que se nos ofrece es que no hay mayor regocijo que disfrutar de cualquier relación amorosa mientras funcione, independientemente de si encaja o no con nuestras concepciones previas y provisionales de la vida y del amor. Al lado del genial protagonista (un sarcástico Larry David) nos sentimos unos iluminados y sonrientes gusanos.

Super 8

2.5*

Cruce vintage entre Los Goonies y Alien con el toque benevolente y bienintencionado de una producción Spielberg. Todo ello escrito y dirigido por el perdido J.J. Abrams, con la sana intención de recuperar el cine de aventuras sci-fi de los cincuenta y los sesenta. Con una BSO de carton piedra y un doblaje al castellano infame (pero ¿qué héroe proto adolescente habla como los chavales de la peli?), el argumento, los personajes estereotipados (padre destrozado por la muerte accidental de la madre; padre destrozado por sentimientos de culpa acerca de la muerte accidental de la madre del compañero de su hija; hijos respectivos haciendo las cosas bien; soldaditos de plomo) y algunos diálogos parecen extraídos de una lata caducada de sopa de tomate Campbell con bicho retrofuturista incluído. Sin embargo, el resultado final merece disfrutarnos por los innumerables guiños cinéfilos y por el dinamismo sostenido de la narración. Del rollo de Stranger Things, la serie actual de Netflix, por ejemplo.

Elephant

2.5*

Resulta una experiencia hipnótica ver a toda esta cantidad de adolescentes deslizándose por pasillos laberinticos en un instituto usamericano convencional. Resulta curioso observar las superficiales relaciones que establecen entre si y las conversaciones banales y fugazes que mantienen. Pero lo mas curioso (por antidramático aunque no por inesperado) es la especial asepsia con la que se hace aparecer (y se muestra) lo terrible, la violencia y la muerte: con esa luz digital, esa planificación y ese montaje que pretende sostener el punto de vista y solo subraya el caracter supuestamente neutral del film, carácter que, finalmente, puede llegar a confundir a más de uno. Como en el film de mismo título de Alan Clarke (1989), al que Van Sant homenajea. No sorprende descubrir, por tanto, que una buena parte del film es producto de la improvisación, de la superficialidad y de la influencia de un teledrama previo. Gus Van Sant sabe hacerlo mejor: y esto también es un comentario superficial.

El Caballero Oscuro

3*

Magnífica (pero no tan compleja) batmovie, donde el caballero oscuro se tiene que enfrentar a uno de los mayores transtornados de la historia del cine, el mismisimo Joker, un espectacular Heath "ex-brokeback" Ledger, merecedor del Óscar por su entregada interpretación. Casi todos los secundarios están de lujo (salvo la acaso no tan guapa Gyllenhaal), en una película excesivamente masculina, por cierto, mientras que el discurso moral y la intensidad dramática apuntan alto pero decepcionan finalmente. Por lo demás, pese a sus más de 150', no aburre nada sino todo lo contrario: es decir, entretiene. Producción solvente para esta continuación de Batman Begins, dirigida con mimo y dedicación por Christopher Nolan. Atención a la escena de los detonadores y a su planteamiento moral. En breve, aparecerá la tercera parte de la visión oscura del personaje de la DC, The Dark Knight Rises.

Gran Torino

4*

Una de esas historias que engrandecen el cine y el corazón de los espectadores, mostrando una porción de la vida tal y como es, con sus luces y sus sombras. Mostrando uno de los lados oscuros del sueño americano: los prejuicios racistas. Eastwood reflexiona y hace reflexionar, divirtiendo primero, entreteniendo después para, finalmente, lanzar una estocada a la vida del avinagrado protagonista (un Walt Kowalski que nos hace pensar en el rudo Marlon Brando de Un tranvía llamado deseo), y poner flores en la tumba de los prejuicios superados y de la soledad arrinconada. La música y la interpretación del propio director son sublimes. Junto con Mystic River y Million Dollar Baby, las 3 mejores películas de Eastwood como director en lo que llevamos de siglo. Y eso que se rodó en poco más de un mes!

Welcome everybody!

El imprudente objetivo de este blog no puede ser más sencillo: criticar las películas que llaman nuestra atención, roban nuestro tiempo y, en el mejor de los casos, entretienen nuestra imaginación.

Además, junto a este objetivo, también prentendemos estimular el debate constructivo, basado en el visonado de películas de todos los géneros, nacionalidades y épocas.

Entendemos por crítica, en este foro, la disección de las bondades y de los defectos de esas historias visuales que compartimos.

Junto a este objetivo crítico, debemos añadir uno más: no queremos aburrir ni mucho menos construir la biografía de crítico cinematográfico alguno.

Por ello, nuestras críticas están tramadas con la forma de una pastilla que podemos tomar y tragar con facilidad.

Porque lo breve no estorba a lo sagaz ni lo escueto zancadillea lo profundo.

A esta forma de comentario fílmico denominamos PastillaCrítica.

Su razón de ser no es otra que recelar sin hostigar.

Y acosar sin fatigar.

Ad astra per aspera