Veneno para las hadas

3*

Carlos Enrique Taboada fue un director mexicano, especializado en el cine de terror, que tiene en su haber algunas películas sorprendentemente interesantes, como su mítica Hasta el viento tiene miedo o El libro de piedra. Por su parte, Veneno para las hadas (1984) cuenta la historia de Flaviola, una rica jovencita, que asiste a un colegio donde conoce a Verónica, la cual afirma ser una bruja. A partir del encuentro entra ambas, desarrollarán una relación dependiente basada en el sometimiento y en la práctica de unos juegos progresivamente macabros, donde los adultos tienen un papel muy secundario (de hecho, no se ve la cara de ninguno en toda la película). Utilizando una fotografía de interiores de una riqueza cromática considerable, Taboada consigue crear ese suspense y ese miedo que caracterizan a sus películas, a base de pequeños y sutiles sobresaltos y shocks. Por otro lado, hay una escena magnífica en un cementerio y otra donde se aprecia la influencia del éxito contemporáneo de Tobe Hopper, Poltergeist, aunque, en general, la cinta recuerda a El Otro, de Robert Mulligan, y, por supuesto, al clásico de 1959, La Mala semilla, de Mervyn LeRoy. Una curiosidad: Steven Wilson, de los Porcupine Tree, tiene un tema con el mismo título.

Latcho Drom

3.5*

Tony Gatlif, director francés de origen gitano, siempre ha estado muy interesado por el estudio y la difusión de la herencia cultural de ese pueblo nómada y disperso, el gitano, que convive con el resto de culturas donde se asienta con esa mezcla de indulgencia e indiferencia que es propia de los pueblos seguros de sí mismos y reacios a una completa asimilación. Latcho Drom es un recorrido por diversas comunidades gitanas que van desde el subcontinente Indio hasta España, pasando por Egipto, Turquía, Hungría, Rumania y Francia. Y como Cliford Geertz con su thick description (y, antes que él, Gilbert Ryle), Gatlif pretende mostrar las características de un pueblo en base a la descripción de un elemento clave de su cultura: en este caso, la música y la danza, que cumplen un papel primordial en la reproducción generacional de un pueblo que, además, posee una cultura oral muy fuerte. Estéticamente, la película es subyugante,  como también lo son los distintos bailes, canciones y músicas que van deleitando al espectador. Por cierto, la influencia de la música romaní en la cultura europea es algo todavía por estudiar, aunque la figura de Django Reinhardt, por ejemplo, les hizo (en parte) justicia, reconociendo su legado. Latcho Drom forma parte de una trilogía sobre el pueblo gitano, junto con dos obras de ficción: Les princes (1983) y Gadjo Dilo (1997). Para terminar, Jeremy Marre rodó dos episodios de su famosa serie de 14 capítulos para Harcourt Films, con el expresivo título The Romany Trail: Gypsy Music, la primera sobre África y la segunda sobre Europa. Finalmente, se aconseja completar con Gitanos de Buenos Aires, de Xavier Villaverde y Regina Álvarez, sobre la comunidad judía en Buenos Aires.

Carretera al infierno

3*

John Ryder, un autoestopista ambiguamente huraño, siembra el terror en una carretera desértica y persigue con ahínco y muy mala leche a un conductor solitario. El primero está excelentemente interpretado por Rutger Hauer –actor fetiche de Paul Verhoeven-, mientras que al segundo le pone cara, sudor y lágrimas un competente C. Thomas Howell. Rodada en el desierto de Mojave, la opera prima de Robert Harmon consigue sacar partido a las localizaciones, a los actores, a la excelente fotografía de John Seale y a la mínima trama que sustenta la historia para construir un inverosímil pero absorbente psychothriller con una vaga inspiración en Terminator, de James Cameron. Las conexiones del film, dentro de sus limitaciones, son considerables (la estupenda The Hitch-Hiker de Ida Lupino, El diablo sobre ruedas, Creepshow 2, Nunca juegues con extraños, el reciente remake).

El moderno Sherlock Holmes

4*

Ahora que está relativa y muy pasajeramente de moda el cine mudo, vayamos a los verdaderos orígenes, concretamente a 1924, cuando Buster Keaton campaba a sus anchas como uno de los más grandes cómicos del momento, junto a Charles Chaplin y a Harold Lloyd. En esta película, interpreta a un joven proyeccionista que sueña con ser un gran detective -el crime-crushing criminologist, Sherlock Jr.-, lo que conseguirá, precisamente, adentrándose en una película que está proyectando en el cine en el que trabaja, aunque, en realidad, todo ocurre en sus propios sueños. Keaton encadena gag tras gag en una imaginativa y divertida sucesión de aventuras, persecuciones y sketches. Además, muestra su incomparable genio a la hora de sintetizar en imágenes un sólido guión, apoyado con unos increíbles efectos visuales y un magnífico montaje, en el que participó el propio Keaton. Y, todo ello, en unos entretenidísimos 45’. Woody Allen se inspiraría en esta comedia para su La rosa púrpura del Cairo y John McTiernan para El último gran héroe.

Nuestro día vendrá

3*

Una de las rarezas del cine francés de los últimos años, sobre una pareja de pelirrojos –Vincent Cassel y Olivier Barthelemy- que se embarcan en una aventura, en una imprevisible road movie, de camino a Irlanda. A partir de esa premisa, la película se va enrareciendo, pervirtiendo, enloqueciendo continuamente, mientras los personajes van cambiando de roles en un intento por rebelarse contra todo lo que creen que les ha venido sometiendo. La historia se va desarrollando en una espiral de sinsentido y de violencia hasta un final que puede provocar varias interpretaciones pero que, a la postre, insatisface al espectador. Por otro lado, el film logra emocionar en alguno de sus tramos pero, en conjunto, se muestra fallido, por su inconsistente propósito de mostrar la locura de unos personajes desubicados, rechazados, apátridas. Estéticamente atractiva y con una excelente interpretación de la pareja protagonista, especialmente de Vincent Cassel, supone el primer film de Romain Gavras, hijo del mítico Costa-Gavras –con producción del propio Cassel-.

El crepúsculo de los dioses

4*

Grandísima e influyente película de tintes negros sobre la mitología hollywoodense (en la línea de Cautivos del mal) que, además, escenifica las exequias del cine mudo tras el paso al sonoro. Un guionista en horas bajas (al que da vida un William Holden también en horas bajas), que es perseguido por sus acreedores, conoce accidentalmente a una vieja estrella del cine, la diva y desequilibrada Norma Desmond (Gloria Swanson), que vive aislada del mundo moderno en su barroca mansión de Los Angeles y se encuentra protegida por Max, su misterioso mayordomo (un tremendo Eric Von Stroheim, en un papel de grandes resonancias personales y profesionales). Egos desmedidos, ambición a prueba de arrepentimientos y enfermedades mentales para una historia técnicamente brillante, de una profundidad humana admirable y narrativamente ejemplar (aún a costa del retruécano de hacer de un cadáver el narrador de la historia). El guión es del propio director, Billy Wilder, escrito a dos manos con su fiel Charles Brackett, en su último trabajo juntos. Espectacular escena de inicio, con esa imagen desde el fondo de la piscina que ha pasado a la historia del cine (obra del director de fotografía de Perdición, John Seitz) e icónico final, con una Swanson soberbia en su última actuación. Sin embargo, el romance entre Holden y la joven aspirante a guionista parece trucada, la conclusión se muestra también un poco atropellada y, además, la puesta en escena del despecho final se revela ciertamente forzada. Los estudios de la Paramount, Cecil B. De Mille, Buster Keaton y otras estrellas del cine mudo aparecen por el metraje imprimiendo (con su incontestable presencia) veracidad y crédito a este ácido retrato de la industria del cine y de algunas de sus obsesiones, especialmente del éxito asociado a la juventud. Una película especular, donde el cine emula a la vida y la vida imita al cine, en una cadena circular y decadente.

Mis 5 imprescindibles de Ingrid Bergman:

-       Casablanca (1942).

-       Encadenados (1946).

-       Te querré siempre (1954).

-       Hedda Gabler (1963).

-       Sonata de Otoño (1978).

El gran miércoles

3*

En 1978, John Millius escribió y dirigió este homenaje al paso del tiempo y al proceso de madurez a través del cual la mayoría de las personas se vuelven más egoístas e individualistas y no solamente pierden la inocencia de su juventud sino también los valores asociados a ella, como el de la amistad. Para redondear la propuesta, Millius ambienta la historia en el atractivo mundo del surf, repleto de cuerpos hermosos, juventud, rebeldía y fiestas, muchas fiestas. Además, contó con el protagonismo de varios actores familiarizados con este deporte (Jan-Michael Vincent y William Katt, el gran héroe americano, además de Gary Busey), lo cual es de agradecer, especialmente en las escenas rodadas en la cresta de las olas. Aunque la película comienza con la narración en off del personaje de Katt, la segunda mitad de la historia tiene como protagonista al personaje de Vincent, con lo que se añade una apología de la amistad al punto de vista nostálgico de la primera mitad. Además, la trama se sitúa en un duro y difícil momento de la historia de los USA (entre los sesenta y los setenta), con el cambio que implicó también en la conciencia coleciva del país. Con ciertos toques sociológicos, humorísticos y con esa marejada hedonista del momento, la película fue rodada en Hawai y en California con una absorbente fotografía en Panavisión. Entre el candor rebelde de Ride the Wild Surf, de Don Taylor (1964), y la actualización semi profesional de En las manos de Dios, de Zamlan King (1999), la película tiene su más fiel seguidor en el film de Kathrin Bigelow, Le llaman Bodhi.

La calle de la vergüenza

4*

Tras la 2ª Guerra Mundial, el parlamento japonés debate por enésima vez la posibilidad de prohibir la prostitución, lo que acarrearía graves consecuencias para los sectores implicados. El gran Kenji Mizoguchi –en su última película, de 1956- rueda una historia patética y despiadada sobre un local de alterne del barrio rojo de Tokio, irónicamente llamado La aldea de los sueños, y sobre la vida cotidiana de las prostitutas que trabajan en él. A lo largo de todo el film, Mizoguchi va ofreciendo breves estampas sobre cada una de las protagonistas, la unión de las cuales revela la lucha, el sacrificio y las penurias que hay detrás de las sonrisas del oficio. Sin estridencias, sin subrayados y con un score un poco discordante (de Toshirô Mayuzumi), Mizoguchi firma una desgarradora denuncia acerca de la explotación humana y de la manipulación de las conciencias de los más desfavorecidos, y lo hace con el característico sobrio estilo del director, una puesta en escena cuidada al detalle, una fotografía del grandísimo Kazuo Miyagawa –el inventor de la técnica Bleach Bypass- y, por supuesto, su maestría narrativa. Una de las protagonistas recuerda al personaje de Anna Magnani en Mamma Roma, de Pasolini. Por su parte, en España, en 1937, se estrenó Barrios Bajos, un alegato contra la prostitución, entendida como una forma de explotación sexual de la mujer.

La guerra de Charlie Wilson

3*

El creador de la exitosa serie de TV El ala oeste de la Casa Blanca y guionista de La red social, Aaron Sorkin, fue la persona elegida para escribir un guión (a partir de la documentada obra de George Crile) sobre los tejemanejes políticos del congresista texano Charlie Wilson (Tom Hanks) para incrementar el presupuesto de los EE.UU. en sus operaciones en Afganistán, asesorado por un agente de la CIA de oscuro pasado. Sin embargo, de hecho, dichas operaciones apoyaban una guerra encubierta contra la presencia soviética en la zona (guerra que ha sido mitificada en la ultraconservadora Rambo 2). Por su parte, lo que hace Mike Nichols es contar esa historia de una manera simplista, maniquea y mostrando un claro posicionamiento político en favor de la lucha contra el comunismo, posicionamiento que consigue ser relajado, subrepticiamente, mediante una inteligente estrategia consistente en mezclar conversaciones sobre asuntos técnicos y militares, negociaciones políticas de alto nivel, viajes a tutiplén y fiestas y juergas varias para crear la apariencia de normalidad y producir el siguiente argumento: los políticos son gente normal (no llevan una vida normal, es verdad, pero sus rasgos son los mismos que los de la gente normal: predilección por las mujeres hermosas, respeto por la religión y por la tradición, una ligera dipsomanía, admiración por los profesionales y por las personas francas y directas, etc.). Por lo tanto, sus acciones son normales y, por supuesto, sus consecuencias serán normales. Ergo buenas. Y aquí esta el problema. Que la película está tan comprometida en este argumento que, al final, debe dejar caer una crítica (si bien limitada) en el único punto flaco de la historia, según la perspectiva narrada. Pero para eso el lector debe ver la película (si no lo ha hecho ya) y sacar sus propias conclusiones. Por lo demás, la historia cuenta con dos buenas interpretaciones, la de Seymour Hoffman y la de Amy Adams, mientras que el personaje de Julia Roberts no solamente es un poco repelente sino que, además (y extra cinematográficamente hablando) la belleza de la actriz está francamente desaprovechada. El resto de elementos técnico-artísticos, a la altura de la producción.

El Hotel New Hampshire

2.5*

Win Berry (Beau Bridges) decide construir un hotel familiar en el que todos puedan vivir y trabajar. A partir de esta premisa, la película va encadenando distintas escenas, relacionadas –principalmente- con el desarrollo emocional y sexual de los hijos de la familia Berry así como con sus sueños y con los sueños de los padres. Sin embargo, el hotel no tendrá el éxito esperado y la familia entera deberá viajar a Viena, con lo que la acción se verá politizada. Un Tony Richardson en horas bajas, siguiendo el estilo desenfadado y descarnado de Tom Jones con el que se hizo famoso. Sin embargo, esta vez, sin duda, el tono no es el apropiado –una mezcla inadecuada de jocosidad, ordinariez y surrealismo- y, por supuesto, el guión no está suficientemente elaborado, lo cual hace a la historia poco convincente. Sin embargo, sí es apropiada a la moraleja de la historia su levedad general, tal y como queda patente desde las primeras escenas del film. Equipo técnico artístico de la ultima etapa del director (Watkin, Lambert), nutrido grupo de actores en el inicio de sus carreras: (Rob Lowe, Nastassja Kinski, Matthew Modine, Seth Green, Wallace Shawn) y protagonismo de la solvente Jodie Foster. Aunque es verdad que el director inglés se ha especializado en adaptaciones literarias y que, habitualmente, éstas son de una elevada calidad, El Hotel New Hampshire es la menos estimulante de todas las adaptaciones cinematográficas de la obra de John Irving.

 

La caja 507

3*

Años antes de la contundente No habrá paz para los malvados (2011),  el director vasco Enrique Urbizu ya había probado suerte con el thriller policial en su opera prima Todo por la pasta y en la más solvente La caja 507, que es el retrato de una venganza, espoleada por un descubrimiento casual. Está ambientado en el submundo de la especulación inmobiliaria (que expolia el litoral español) y se basa en un guión un tanto inverosímil (obra del propio Urbizu y de Michel Gaztambide) pero que en pantalla funciona a la perfección, gracias –especialmente- a una excelente planificación y a las convincentes interpretaciones de los dos actores protagonistas, Antonio Resines y José Coronado (especialmente la del segundo). Unas interpretaciones que, por otro lado, hacen innecesario mantener el suspense sobre la base de un recurso habitual en el género: un montaje artificioso. La película podría haber sido mucho más interesante si se hubieran pulido incongruencias de guión y se hubiera mantenido -o apuntalado- el ritmo de la trama. Y en este punto, tiene algo de responsabilidad el score ya que, lo que menos destaca es, sin duda, la BSO de Mario de Benito, aunque hay que decir que el sonido, en general, también es francamente mejorable.

Los chicos del maiz

2*

Basada en un relato del infatigable Stephen King, Los chicos del maíz es un pequeño clásico del terror adolescente de la ultra conservadora década de los ochenta, con más defectos que virtudes. Sin embargo, puede seguirse con cierto placer gracias a una propuesta novedosa en el cine de terror de la época: utilizar el clima de conservadurismo reinante para proponer una alegoría sobre la religión (sobre este tema es interesante consultar la obra de Harold Bloom, La religión en los Estados Unidos). En una pequeña y apartada comunidad agrícola de Iowa, unos jóvenes se han adueñado del pueblo para vivir sin juegos, sin música y sin otras cosas propias de la infancia, incluyendo a los adultos. Están dirigidos por dos de sus miembros (el profeta Isaac y su mano derecha ejecutora Malachai), que encarnan a los verdaderos protagonistas del film, por su omnipresencia, fanatismo y violencia. Con la participación de una jovencísima Linda Hamilton y con una estética que recuerda ligeramente a Grant Wood, las escenas en las que los maizales parecen transformarse en laberintos mantienen aún cierto interés, a costa de la devaluación general de la película. La moraleja de la historia parece decir que “cualquier religión sin amor y sin compasión es falsa”, lo cual no es, ciertamente, nada baladí. La primera película de Fritz Kiersch (quien conseguiría mejores logros con su tercer largometraje, Winners take all), que dio pie a una cadena de secuelas por debajo, incluso, del original (sic). El espectador puede encontrar influencias de esta historia en la reciente The Maze.

El silencio de un hombre

4*

Estilizado thriller noir sobre las actividades de Jef Costello, un asesino hierático, solitario y meticuloso que es como un samurai. O como un tigre. Interpretado por Alain Delon, en la cumbre de su atractivo y de su éxito, el personaje trae a la mente al Vince Edwards de Murder by contract. Inspirándose en la novela The Ronin, Jean Pierre Melville crea una obra hipnótica, de una incisiva abstracción, con una escenográfica austera y una puesta en escena precisa, elegante y muy elocuente (tanto que los 10 primeros minutos no contienen diálogo alguno). En la línea de El último suspiro, supone una de las obras cumbre del polar francés, en general, y del cine de Jean Pierre Melville, en particular, y constituye la segunda parte de la trilogía Delon del director, además de Círculo rojo y Crónica negra. La influencia de esta película en la obra de Johnnie To, John Woo o del propio Quentin Tarantino, entre otros, es notable y conviene recordarla, así como en Ghost Dog, del gran Jim Jarmusch.

Mis 5 imprescindibles de Orson Welles

      -       Ciudadano Kane (1941).

-       La dama de Sanghai (1947).

-       Sed de mal (1954).

-       Campanadas a medianoche (1965).

-       Fraude (1973).

Millennium: los hombres que no amaban a las mujeres

3.5*

Parece que David Fincher tenía ganas de desenmascarar y de castigar a un psycho killer, después de la soberbia Se7en y, sobre todo, de la laberíntica e hiper perfeccionista Zodiac. Por eso, quizás, ha aceptado llevar a la pantalla grande un encargo escrito por alguien lo suficientemente cercano a su imaginario y a sus obsesiones como Stieg Larsson, creador de la franquicia Millennium. Y por eso, probablemente también, ha decidido ser fiel al contenido noir de la novela, a su trama detectivesca, a los oscuros secretos de la disfuncional familia de empresarios suecos protagonista y, finalmente, a la propia localización original, los contrastados paisajes de la Suecia actual. Sin embargo, la historia es excesivamente enrevesada, por momentos poco convincente (como esa escena en la que Craig entra en la casa del asesino sabiendo quién es o esa otra en la que Salander despluma unos cuantos bancos suizos con la ayuda de una peluca, un pasaporte falso, un bolso de imitación y todo su –en este caso- inverosímil talento) y con un final, con varias resoluciones encadenadas, impropio de Fincher y más cercano a la naturaleza telefílmica del guión. Dicho esto, la película está muy bien narrada y contiene la suficiente ambigüedad para hacer que la historia enganche, además de contener breves pero apropiadas dosis de humor. Por su parte, los actores principales crean dos personajes fascinantes -cada uno a su manera, evidentemente-. Magnífico, por tanto, ese actor tan sutil como rudo que es el proletario Daniel Craig aunque merecen una mención aparte Christopher Plummer –en un papel que estaba reservado a Max von Sidow- y Stellan Skarsgård -dos secundarios de lujo y las dos caras de una misma moneda, de una misma familia- así como la BSO de Reznor y Ross, incluyendo la adaptación de un tema de Led Zeppelin para los títulos de crédito iniciales.

Grupo salvaje

5*

 

Sin lugar a dudas, la obra maestra de Sam Peckinpah y una de las mejores películas de la historia del cine, de una fuerza descomunal. The Wild Bunch (en su título original) no es un western arropado por las convenciones clásicas del género sino que es una película insurrecta, donde la historia y, sobre todo, los personajes desmitifican casi todas las convenciones previas. En este sentido, el film entronca con la crisis y con la desilusión USAmericana de la época y, también, con esa sombra del sueño americano: la figura del perdedor (pero de un perdedor que se sacrifica, al menos, por un ideal ético y contra la explotación y la crueldad humanas). Por eso se la ha calificado de crepuscular aunque podría ser preferible hablar de mexican western, en la línea de Veracruz, Bandido, Yo soy la revolución, ¡Agáchate maldito! o Los compañeros. Con un diseño de producción que potencia la belleza de lo miserable, de lo sucio y de lo imperfecto (obra de Edward Carrere), Peckinpah exprime al máximo a sus espléndidos actores protagonistas, a esa compacta y genial cuadrilla de secundarios (encabezados por un soberbio Warren Oates), a sus colaboradores técnico-artísticos (excelente fotografía de Lucien Ballard, renovador montaje de Lou Lombardo y soberbio score de Jerry Fielding), y, sobre todo, a un guión magníficamente escrito (pletórico de ideas y motivos), de una sutileza admirable, de una emoción infecciosa y de una complejidad vital, humana y social, que se expande hasta un nivel pocas veces alcanzado en el género. Tanto el comienzo como el final (de una violencia cinematográfica inusual hasta el momento, 1969) han pasado merecidamente a la historia del cine.

Bukowski

2.5*

(Imposible conseguir imágenes del cartel original o de la carátula del DVD)

En 1973, cámara en mano, Taylor Hackford y Richard Davies, con un minúsculo presupuesto, siguieron al poeta Charles Bukowski hasta San Francisco, invitado por Lawrence Ferlinghetti para impartir una lectura de poesía en el City Lights Poets Theater. Hackford va alternando escenas grabadas en la calle con extractos de dicha lectura, así como reflexiones hechas por el poeta en las más variadas situaciones (habitaciones de hotel, en la casa del escritor en Los Ángeles, en la calle, en un coche, en las carreras de caballos, etc.). En un económico Black & White, Bukowski muestra sus adicciones –su alcoholismo-, su sentido del humor, su obsesión por los caballos y por las mujeres, así como sus interesantes reflexiones sobre la vida. Al parecer, Hackford hizo mucho por popularizar la obra y la vida de Bukowski en los EE.UU. con este film. El documental de John Dullaghan, Bukowski: Born into this, complementa el visionado de este pionero homenaje de Hackford, al cual –por descontado- se cita. Y también es aconsejable echar un vistazo a Barfly y a Factótum, retratos ficcionados sobre el gran poeta usamericano y su alter ego Hank Chinaski.