Mis 5 imprescindibles de Bette Davis:

-       Jezabel (1938), de William Wyler.

-       La Loba (1941), de William Wyler.

-       La extraña pasajera (1942), de Irving Rapper.

-       Eva al desnudo (1950), de Joseph L. Mankiewicz.

-       ¿Qué fue de Baby Jane? (1962), de Robert Aldrich.

Memories of murder

3.5*

Dos policías, de estilos y formación muy diferenciados (instintivo y supersticioso uno; racional y metódico el otro), se involucran en la investigación de una serie de asesinatos con violación, realizados, al parecer, por un psycho killer de la misma zona rural donde están apareciendo los cadáveres. Sobre algunas de las convenciones del género, en su versión USAmericana, influencias del cine de Vajda y sin ningun tipo de estridencias estéticas, rimbombancias narrativas o shocks técnicos, Joon-ho Bong firma un clásico del thriller sur coreano reciente, con un sentido del humor endiablado y algunas imágenes realmente impactantes. Mención aparte merece la impecable puesta en escena, la iluminación nocturna, la vivacidad de algunos planos secuencia y la originalidad de varios encuadres y travellings (por ejemplo, uno que retrocede respecto del rumbo de una persecución). La trama se centra en las pormenorizadas pesquisas de la investigación policial, con un carácter obsesivo y trágico, similar a Zodiac, y con esa naturaleza inconclusa que, en ocasiones, caracteriza a la brutalidad de lo ordinario. Nada que ver con la telemovie del mismo título, de 1990.

Rambo

2.5*

En plena decadencia física, Sylvester Stallone emprende la tarea de actualizar sus dos míticas caracterizaciones: Rocky y Rambo. De la película sobre Rocky ya nos ocuparemos en otra ocasión. Bástenos ahora con pastillear la última versión de Rambo, dirigida por el propio Stallone. Desde la primera parte de la saga, Acorralado (tensa película de persecución y supervivencia, dirigida con garra por Ted Kotcheff), Rambo no ha venido representando sino un conjunto de despropósitos belicistas tras otro. Algo que Stallone no olvida en esta cuarta entrega: así, sin ningún subrayado estrepitoso, el musculado director rueda, con más oficio que arte, una competente versión de Rambo, disfrazado de ONG, al servicio de acciones humanitarias y con chica incluida. Ahora bien, si le enfadan mucho, la liará parda porque es lo que mejor sabe hacer: es su esencia, para eso ha sido entrenado. La película está muy bien planificada, montada y Stallone controla a la perfección el ritmo y la tensión. Además, el director se cuida de emitir mensajito o discurso alguno, por lo menos de manera explícita. De hecho, Rambo está realmente parco en palabras, lo cual se agradece. Finalmente, ni se opta por la auto parodia ni por ironizar sobre la saga. Simplemente es una película de acción, con unos efectos digitales ultra gore. Al final, por fin, el sufrido personaje vuelve a su hogar en Arizona. Esperemos que se quede allí una buena temporada (aunque ya se barrunta un Rambo 5).

El malvado Zaroff

3*

 

Un barco naufraga en una isla habitada por el Conde Zaroff, que ofrece refugio al que parecer ser el único superviviente. Una vez en la mansión del anfitrión, aparecen dos supervivientes más. Sin embargo, cansado de las cacerías convencionales, el Conde no es quien parece ser puesto que ha desarrollado un macabro juego en el que tanto el cazador como la presa son de la misma especie. Con una sobria puesta en escena y una fotografía levemente expresionista, el director de King Kong, Ernest B. Schoedsack (con la colaboración de Irving Pichel), rueda uno de los clásicos del terror y del suspense de la RKO, sobre un guión de James Ashomre. El film cuenta con la interpretación de Joel McCrea y Leslie Banks, además de con la presencia de la hipnótica Fay Wray. La película quizás no haya conservado la fuerza que en su momento tuvo (1932) pero, sin embargo, un melodramático zoom a mitad de la trama, una trampa que será plagiada por Depredador y la escena final de la cacería en el pantano conservan cierto impacto, tanto visual como dramático. Años después, David Fincher la incluirá como referente cultural en su versión de los crímenes de Zodiac. Por su parte, la Productora Amicus recuperaría parte del argumento en La bestia debe morir.

Arroz amargo

3*

Arroz amargo es la historia de un ladrón (Vittorio Gassman) que sigue a uno de sus cómplices (Doris Dowling), a la que ha entregado parte de un botín, hasta un arrozal del Piamonte donde se ha refugiado en plena campaña. Con su llegada, se disparan los celos entre una de las arroceras, una voluptuosa e infantil Silvana Mangano, y su pretendiente, el polifacético Raf Vallone. Para complicar más las cosas, Gassman barrunta la idea de hacer otro negocio ilícito, esta vez robando a las trabajadoras. La verdad es que el paso del tiempo no ha tratado excesivamente bien a esta mítica película del neorrealismo italiano ya que, incluso en los aspectos cinematográficos (meritorios en general) tiene algunos fallos evidentes (por poner un ejemplo, hay varias escenas de lluvia en las que se ven las columnas de agua cayendo en primer plano mientras que en el segundo plano no se ve gota de agua alguna). Emociones básicas (el egoísmo individual frente a la generosidad del grupo), tosco erotismo, coreografías bizarras a son del boogie boogie, música extradiegética inapropiada e interpretaciones un tanto afectadas para este melodrama policial desarrollado en la España (perdón), en la Italia profunda, que ofrece un impactante retrato del mundo proletario de la época y tiene un clímax final magnífico. La censura franquista se cebó en las escenas más picantonas así como en la denuncia de la explotación a la que son sometidas las jornaleras del arroz. Y es que corría el año 1949. En Cinema Paradiso se rinde un pequeño homenaje a esta película de Giuseppe de Santis.

El extraño viaje

4*

Llena de ese humor carpetovetónico tan querido por el tándem Berlanga/Azcona, Fernando Fernán Gómez firma uno de sus mejores trabajos tras la cámara, con un estilo personal, mezcla de neorrealismo italiano (una escena que recuerda a Arroz Amargo podría ser el ejemplo perfecto), expresionismo alemán y esperpento patrio, en la línea de un Edgar Neville, por ejemplo. Una película que mira por encima del hombro a esa España cañí, ignorante y mezquina, a través de una mirada crítica y cáustica que retrata y denuncia una sociedad que se mueve entre los extremos representados por las revistas que aparecen en los títulos de crédito: el Hola, El Caso y La Codorniz. A las que hay que añadir el vetusto ABC. Cinematográficamente, la cámara se mueve con soltura por este sainete criminal, no exento de elementos folletinescos, lleno de suspense y misterio, basado en algún relato de Poe y cuyo desarrollo es un prodigio narrativo. Sin embargo, algunas interpretaciones resultan excesivamente teatralizadas (la de Carlos Larrañaga y la de Tota Alba, por ejemplo, junto con las de varios secundarios), la iluminación es maravillosa pero imperfecta y la partitura de Cristóbal Halffter, a fuerza de su modernité, subraya (paradójicamente) ese costumbrismo rancio, malsano y represor. Por otro lado, hay que destacar el excelente trabajo de Rafaela Aparicio y de Jesús Franco, que componen una pareja de hermanos (histérica ella, glotón él), absolutamente genial.

El origen del planeta de los simios

3*

Una droga administrada a simios parece regenerar las células cerebrales dañadas e incrementar la capacidad mental. Cuando un accidente provoca el sacrificio de todos los chimpancés de un laboratorio en San Francisco, el investigador principal (James Franco) salva la vida de una cría, a la que mantiene con vida en su propia casa. Después de unos años, prueba la droga con su propio padre, que sufre de Alzheimer, con excelentes resultados. Sin embargo, las cosas no sucederán como se esperan, ni para el padre ni para la cría que salvó, ahora un chimpancé adulto, muy inteligente y, por tanto, muy concienciado de la situación en la que los humanos colocan al resto de los animales, especialmente a sus congéneres simios. Rupert Wyatt dirige una inflamada película sobre la rebelión de los simios, cuyas características más evidentes son unos efectos visuales que saturan y que no son del todo creíbles, un ritmo y un montaje trepidantes (donde muchas cosas ocurren precipitadamente), unos movimientos de cámara imposibles, un suspense bastante conseguido y, claro, varias imágenes bien poderosas, aunque (por otro lado) algunos elementos van metiéndose con calzador para que encajen con El planeta de los simios original. Si el espectador simpatiza con lo que ocurre en pantalla es que los seres humanos no lo estamos haciendo tan bien como nos creemos.

2019 tras la caída de Nueva York

1.5*

En el año 2019, la tierra ha salido de una Guerra Atómica Mundial y Nueva York, bastión del poderío económico y tecnológico capitalista, ha sido convertida en escombros. Los pocos hombres que han sobrevivido, sometidos a la radioactividad, a la dictadura de los vencedores y a la esterilidad, huyen de terribles experimentos genéticos. Todo esto hasta que aparece Parsifal (sic), que tiene la misión de encontrar a la única mujer fértil sobre la tierra para poder repoblarla. Traslación chapucera y costrosa de las paranoias de la época, en una especie de mix entre Mad Max, Hijos de los hombres y 1997 rescate en nueva York, y con los horrores mutantes de un hipotético Holocausto Nuclear como telón de fondo. Una más de las toscas producciones sobre distopías post apocalípticas (la época manda, hablamos de 1983), con una estética entre retrofuturista, punk y medieval (limitaciones de la producción) y un resultado caricaturesco en general. El enésimo euroxplotaition del director italiano Sergio Martino, especialista en productos de toda ralea y condición.

Mis 5 imprescindibles de Clint Eastwood actor:

          

-        El bueno, el feo y el malo (1966), de Sergio Leone.

-        El seductor (1971), de Don Siegel.

-        El aventurero de medianoche (1982), de Clint Eastwood.

-        En la línea de fuego (1993), de Wolfgang Petersen.

-        Los puentes de Madison (1995), de Clint Eastwood.

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Taxi Driver

5*

Travis Bickle (Robert de Niro), un veterano de la Guerra de Vietnam, sobrevive en la jungla neoyorkina trabajando como taxista nocturno. Es un hombre traumatizado, simple, sin gustos definidos y está asqueado de todo cuanto le rodea, especialmente de la degradación ética de los detritos urbanos. Necesita un cambio en su vida o, mejor, un objetivo que le otorgue sentido. Lo encontrará al proponerse liberar a Iris, una jovencísima prostituta interpretada por Jodie Foster, que trabaja para Sport (Harvey Keitel), un proxeneta sin escrúpulos. Taxi Driver es, sin duda alguna, la obra maestra del director italoamericano Martin Scorsese (seguida de cerca por Toro salvaje y Uno de los nuestros), filmada con un gusto exquisito, alejada de las estridencias posteriores de su filmografía, y con una magnífica BSO de Bernard Hermann, que se fusiona magníficamente con las imágenes. Además, la película cuenta con una estupenda galería de secundarios (Albert Brooks, Cybill Shepherd, Peter Boyle) así como con una absolutamente genial interpretación de Robert de Niro. Un film sobre el aislamiento y la soledad de la vida contemporánea en una megaciudad, ya explorada por el Edgar Allan Poe de El hombre de la multitud. En este caso es un taxista pero podríamos ser cualquiera de nosotros. La narración desemboca en un bizarro e hiper violento climax final, muy apropiado a las obsesiones e intenciones redentoras habituales del guionista, Paul Schrader, así como al espíritu global de la historia.